Otro de esos discos que llegan a casa por sorpresa, sin que lo hayamos pedido, en esta ocasión por error del vendedor, que dejó fuera otro que sí queríamos. Por supuesto tampoco teníamos ni idea de quién era Josetxo Goia-Aribe y solo lo oscuro de la portada, que es como sobria y elegante, nos ayudó a paliar el pequeño disgusto.
Resulta que Josetxo Goia-Aribe lleva una larga carrera tras sus espaldas, este es su sexto disco, y según se puede leer por ahí, siempre ha caminado mezclando el jazz y la tradición, entiendo que de su tierra. Este disco lo dedica a la memoria de Jamalandruki, mago navarro que según cuentan las crónicas asombró a varias generaciones de conciudadanos, entre ellos, el autor de este disco.
En formato de cuarteto de viento compuesto por saxo, tuba, trompeta y trombón, más batería y percusiones le dan a la música de verbena, de fiestas de pueblo, pasacalles, ambiente circense... definitivamente no es mi rollo, aunque este Fandango me parece que funciona bien como entrada a esta colección de canciones.
En los tiempos gloriosos de este blog, hasta de vez en cuando me regalaban algún disco por aquello de la promoción. Este fue uno de ellos, y aunque mi plan siempre es el de hablar solo de grupos de nuestras fronteras, pues lo escuché, que es lo mínimo que uno puede hacer cuando alguien ha tenido la deferencia de hacértelo llegar y más si tenemos en cuenta lo que cuesta sacar un disco. Lo escuché… y me gustó.
Este Inonde es un mini LP de 6 canciones, una de ellas con intro, en el que el arranque, con las tres primeras, es inapelable. Edith Crash, voz y guitarra, y Alex Augé, saxo y piano eléctrico Fender, retuercen el pop a su manera, tal como lo hizo Björk a la suya, creando algo bastante peculiar, bonito y con suficiente fuerza para que yo le haga un hueco por aquí, incluso contra mis principios.
La segunda parte del disco ya depende un poco más de cómo me coja el día, o me llega, o se me hace un poco lánguida.
La segunda mitad de la primera decada de este siglo fue la de mayor actividad de La Jr. Después de su álbum homónimo, seguían dando rienda suelta a su música descalabrada con este Dos Casas. Según los créditos, las sesiones de grabación de este disco empiezan con los tres músicos que forman el grupo instalados comodamente en el salón de la casa de alguno de ellos. Francisco Deborja al piano, Frank Rudow a la batería y Rafael Martínez del Pozo a la guitarra eléctrica. Por ahí se pasan tambien Cristina del Valle para poner su voz y su guitarra acústica, Guiller Momonje con su violín y otro par de colegas a dar algunas palmas, más tarde incorporan contrabajo y clarinete.
El resultado es muy bueno, se notan cambios en su sonido, la batería acelera muy levemente su ritmo, parece que se arrastra menos, y queda un poco más en el fondo de las canciones, y el piano parece tener más presencia y le da su aquel a las composiciones. La voz de Cristina ayuda a hacer más bonitos los dos temas en los que aparece, y por primera vez, para mi gusto, lo envuelven todo con una bonita portada. Y lo más importante, aquí no hay claudicación, siguen sonando a La Jr.
No sé en qué andarán ahora metidos esta gente, pero en los 70 del siglo pasado, el Atrium Musicae parece que era un hervidero de ideas e investigaciones cada cual más peculiar. En esta ocasión abordan el tarantulismo y su cura. De esta enfermedad, parece que realmente psicosomática o causada por los hongos alucinógenos del cornezuelo, hay muchísimos casos documentados en la literatura médica escrita entre los siglos XV y XVIII, y se achacaba a la picadura de la tarántula, en realidad inocua para el ser humano. Los que la padecían no podían parar de moverse. Más peculiar, si cabe, era la cura, pues para expulsar el veneno, a los enfermos se le recetaban horas y horas de baile extenuante al son de rápidas melodías de sonido chirriante a las que se le dieron el nombre de tarantelas. Parece que estó dio lugar a curiosos episodios de histeria colectiva, como la Epidemia de Baile de 1518, en la que unas 400 personas bailaron continuamente durante un mes en las calles de Estrasburgo. Las autoridades acabaron contratando músicos para mantener la fiesta y curar a los enfermos, aunque muchos de los participantes terminaron muriendo de ataques al corazón, derrames cerebrales y agotamiento.
Pues esta música sanadora es la que se recopila en este disco, en otras palabras, la banda sonora de las raves del medievo.
Primer encuentro en el estudio de grabación de estos dos guitarristas consumados, que acuden a él sin plan preconcebido, aunque ya habían tanteado su compatibilidad sobre el escenario en alguna ocasión. Según cuentan, salen de estas sesiones con unas siete horas de grabaciones de las que aquí nos presentan unos 70 minutos divididos en 21 piezas. Dos guitarras eléctricas y pedales de efecto son suficientes para llevarnos de viaje onírico por paisajes nada habituales, que aunque calmos en su mayoría, pueden resultar inhóspitos para voluntades débiles y poco curiosas. Rock expresionista le gusta llamarlo a Javier.
Para colocar junto a otros discos inclasificables como el Tus Muertos Underground de Tu Puta Madre, El Arte De Cojear Con La Guitarra de Audiopeste, o 13 Cuerdas - Música Desde El Mástil De La Guitarra de Jesús Auñón. Pequeñas maravillas anómalas para degustar con calma y atención, que se esconden entre el aluvión de publicaciones inanes al que nos tiene acostumbrado el día a día.
Ovetenses, afiliados al rock americano, estuvieron ahí, en el comienzo de todo, en la génesis de la segunda era heroica de la independencia discográfica española. Aparecieron en el segundo The Munster Dance Hall Favorites, y editaron este, su primer disco en 1989, más tarde los fichó Romilar-D.
Título del disco en español y canciones en inglés, el sonido es un poco más limpio, llámenlo si ustedes quieren inocuo, que en su siguiente disco, Backslide, que es el que siempre ha estado en casa. Al final para mí se queda en un disco correcto, que es cierto que deja la impresión de que el directo seguramente fuese su hábitat natural y en él sonasen como fieras corrupias. Al vinilo le falta un poco de pegada… pero bueno, en aquella época no creo que nadie, que pretendiese sacar algún rédito económico a lo de editar discos, diese por bueno en un estudio desfases como el que le iría bien a este disco y que se empezarían a normalizar unos años más tarde.
En activos desde 2008, El Relevo Alemán no se cansa, y no solo eso, sino que sus miembros van expandiendo sus tentáculos en otros proyectos como Tremolino y Pandan-Lagl. Desde sus comienzos han editado un buen puñado de referencias culminadas por ahora con el LP La Séptima Extinción, de 2020.
Este, que creo que es su primera colección larga de canciones, es el único disco que tengo de ellos, cosa a la que habrá que ponerle remedio porque lo que presentaban en este El Mundo Antiguo es notable. Rock, y también pop, de guitarras inflamadas, aquí suenan en la línea del indie de los noventa. Con algo de los primeros Planetas, pero con una voz que a mí me gusta más, algo de Surfin’ Bichos, o quizás mejor, Mercromina, más lo que aportan ellos mismos consiguen buenos resultados en forma de canciones efectivas. Empezaron la carrera a buen ritmo, trataré de seguirles el ritmo.
Ya han pasado más de 10 años desde que un joven Elias Merino comenzara a dar sus primeros pasos en esto de las músicas raras. Su primera obra en solitario, Throes, data de 2009, aunque yo lo conocí como miembro del dúo Gur Bruo gracias a la edición en cd de Tiempo De Reacción - Polirritmia Organizada. Ese mismo año Elias también había editado este Awakening Of The New Seed a través del sello peruano Buh Records. Sonidos desolados, crepitantes, soledad y angustia, belleza desprovista de ornamento, melancolía y destrucción, ¿eso que se oye a lo lejos son bombas?, para una historia inspirada, según el autor, en un futuro transhumanista en el que ya no caben los conceptos de bien y mal. En estos más de 10 años no ha perdido el tiempo, afincado ahora en Londres, metido de lleno en el arte sonoro, sus trabajos, que incluyen instalaciones, performance, composiciones…, han sido exhibidos en museos y festivales de más de medio mundo.
Primero de los dos atentados electro sónicos que perpetraron Electric Eliminators. Diez minutos de torrencial estupidez con letras graciosas, vienen escritas en el disco, aunque la mayoría de las veces apenas se entienden entre el alboroto eléctrico de ritmos de casiotone y otros efectos dañinos al oído.
Así fue todo, o casi todo, lo que salió de la factoría Tres Cipotes, provocación desde el punk contra el punk, o si quieren, punks haciéndose pasar por pijos orgullosos de serlo que atacan al punk que se toma demasiado en serio. Una puta locura, vamos, un chiste para un ratito, los Hermanos Calatrava del punk, yo que sé. A veces lo escucho y me río…
Recuerdo perfectamente cuando salió este disco y la excelente recepción que tuvo por parte de la crítica y en general, de todo aquel que lo oía. Los elogios venían de todos lados, los vítores y alabanzas lo encumbraban como el no va más del momento, y hasta yo dije en este mismo blog que me gustaba, pero mentí un poquito. Las primeras escuchas fueron decepcionantes, tanto esperaba del disco que solo si hubiera sido el Unknown Pleasures hubiese colmado mis expectativas.
Aún a día de hoy no entiendo todas aquellas reacciones desaforadas y todavía me cuesta encontrar una canción redonda entre las 9 que lo conforman. Para mi es un disco bueno de tecno-pop, o synth-pop si ustedes lo prefieren, como lo puede ser el Detrás Del Espejo de Trópico De Cáncer. Se deja escuchar, es agradable al oído, tiene algún toque marciano, pero le faltan himnos para estar a la altura de lo que se decía.
