Cartografía Del Ruido - Cartografía Del Ruido (Autoeditado 2014)

La Corte De Los Milagros fue un grupo cantabro liderado por David DeLlera que grabó dos ep's a principios de este siglo. En 2002 incorporan a un nuevo, y nobel, guitarrista a la banda, Juan Pérez Marina, con el que afrontan una gira que les lleva a tocar por Inglaterra y Francia además de en diversos puntos de la península Ibérica. En 2004 se presentan en los estudios Rock Soul para grabar un largo con Carlos Torero a los mandos. Aunque en su momento se rumorea que Universal Music se encargará de la edición de esta grabación, al final las canciones quedaron sin plastificar.
David DeLlera comienza un nuevo proyecto bajo el nombre de Hermosos Vencidos con los que sí consigue plastificar en 2006 el disco La Ciudad De Los Semáforos En Verde a través de Flor Y Nata Records.
Por su parte Juan Pérez Marina recala en Madrid tras unos cuantos años de reaprendizaje musical después de sufrir un accidente por el que casi pierde la movilidad de un brazo. Allí conoce a Javier Corcobado, más o menos estamos en 2010, y entra a formar parte de su banda. Con él graba los discos Luna Que Se Quiebra Sobre La Tiniebla De Mi Soledad, Te Estoy Queriendo Tanto y alguna canción de las que aparecen en Los Estertores De La Democracia.
Aunque la idea de Canción De Amor De Un Día venía rondando por la cabeza de Javier desde hacía ya bastante tiempo, debió ser hacia 2012 o 2013 cuando decide ponerse manos a la obra para convertirla en algo tangible, y Juan Pérez Marina recibe la invitación para participar en ella con la composición de unos cuantos fragmentos. Invitación que lógicamente acepta y que se convierte en la chispa que acaba por provocar la creación de Cartografía Del Ruido como vehículo para dar salida a sus propias composiciones.
En 2014 ve la luz el que es por ahora su primer largo, disco del que pasamos a hablar un poco inmediatamente. Y ya que nos toca hablar de cartografía, no sé si ustedes se han fijado en que entre todos los trazos que delimitan la frontera entre el Sahara Occidental y Mauritania, solo uno es curvo, mientras que el resto parece trazado con tiralineas. Parece que fue una argucia francesa para dejar en su zona de influencia las minas de Zouerat, las mayores de hierro a cielo abierto que existen en el mundo. Desde allí, el mineral se transporta 700 kilómetros a través del desierto hasta el puerto de Nuadibú. El tren que se encarga de hacerlo alcanza los tres kilómetros de longitud, doscientos vagones arrastrados por hasta cuatro locomotoras con una potencia de 3300 CV que desplazan 22000 toneladas del mateiral en un polvoriento viaje de 24 horas. Aunque no está habilitado para el transporte de personas, son muchas las que lo utilizan para trasladarse de una ciudad a la otra sentados sobre las tolvas que transportan el material, embozados con sus pañuelos para evitar tragar el molesto polvo que sale de los vagones. Al arrancar, los ocupantes de los primeros vagones gritan para prevenir a los de los vagones posteriores que se aproxima la violenta tracción que se va transmitiendo de uno a otro hasta que todos están en movimiento. Durante el viaje, los saltos entre vagones para compartir té, galletas o frutos secos dan fe de la camaradería entre los que realizan el viaje. Viaje que después del arranque, una vez sumergidos en el desierto, se torna tan minimalista como mágico, que según cuentan transmite una extraña sensación de tranquilidad y desconocimiento, y la posibilidad de presenciar, una vez que ha anochecido, uno de los cielos más estrellados y bellos que un humano haya visto.
Nunca he subido a ese tren, solo cuento lo que he leído, y mucho menos he hecho ese viaje, pero si he escuchado este disco muchas veces, y no puedo dejar de pensar en que las emociones y sacudias que provocan ambas experiencias están intimamente emparentadas. Así que lo que hace tiempo describimos brevemente por aquí como rock instrumental que pone sobre el mapa la ecuación formada por calma, tensión, electricidad, ritmo, belleza, dolor y repetición, me parece ahora que queda mejor definido con las imagenes que llenaron mi cabeza al saber de la existencia de ese amasijo gigante de metal que atraviesa impertérrito el moldeado desierto por el capricho del viento.
Para la grabación de estas seis canciones, cinco en el vinilo y una más en la descarga digital que proporciona, Juan Pérez Marina contó con la ayuda de Jesús Alonso, Sergio Devece, Susana Cáncer y Javier Corcobado.
El disco se vio prolongado al siguiente año con la edición del single Ruido, que incluía el tema titular, una remezcla del mismo a cargo de Homophonia y una versión grabada en directo de La Vida Es Un Sueño, original del cubano Arsenio Rodríguez.
Para rematar el asunto solo nos queda decir que Juan también ocupa el puesto de guitarrista en Leone, y que en alguna ocasión ha puesto su guitarra al servicio de Forastero para sustituir al mismísimo Javier Colis. Como Cartografía Del Ruido se le ha podido ver solo sobre los escenarios, pero también recientemente acompañado por Julian Sanz al bajo y Luis Corchado a la batería, ni más ni menos que la sección rítmica de la primera formación de Mar Otra Vez.

Agnès Pe - The Greats (Autoeditado 2011)

Agnès Pe no está para tonterías, aquí solo hay espacio para "the greats", los grandes de verdad. No esperen encontrarse a Dylan o Neil Young o cualquiera de sus ídolos del rocanrol, sea o no sea underground. Los nombres que aquí aparecen son los de Johannes Brahms, Modest Mussorgsky, Gioachino Rossini, Sergey Prokofiev, Nikolay Rimsky-Korsakov, Pyor Ilich Tchaikovsky, Georges Bizet e Igor Stravinsky.
A mi un par de estos nombres ni siquiera me sonaban, y nada de nada en lo de conocer en profundidad la obra de al menos uno de ellos, claro. Pero no puedo decir lo mismo de las interpretaciones canónicas de las piezas que aparecen en este disco, que he ido buscando y reconociendo porque las he escuchado una y mil veces, o al menos cien. Y ustedes también.
Luego está lo que hace Agnès con ellas, que no se si es interpretarlas con extraños instrumentos, o deformarlas y escuchimizarlas usando la tecnología a su alcance. Igual eso que puede leerse por ahí sobre ella, que afirma que lleva años indagando, entre otras cosas, en la percepción del sonido y en la relación de este con la máquina que lo captura, puede darnos alguna pista, e incluso hacer volar nuestra imaginación, sobre su modo de trabajar estas piezas.
Sea como sea, la cosa es que al final queda un muy divertido curso rápido de música clásica, ameno, sorprendente y algo disparatado en algunas de sus ocho sesiones, impartido por una profesora que, aplicando su propia metodología, obtiene un resultado que se me antoja como un cruce entre el modo de hacer de maestros como Pascal Comelade o Truna.

Jackson Milicia - Unicornia Pequeño Las Vegas (Autoeditado 2008)

De ese terremoto que allá por 2007 azotaba Valencia, esta fue la primera onda sísmica que llegó a nuestros radares. El seísmo quedó registrado en el recopilatorio Mundo Submarino y no ha dejado, a día de hoy, de tener sus posteriores réplicas, como han sido el constante buen hacer del CSA La Residencia, o la aparición de El Recopilata.
También hubo señales previas que presagiaban el cataclismo. Discos Buen Pony se había estrenado en 2004 editando a Zener, unos años antes había salido el disco de Balano, luego reconvertidos en Salchicha, de 2005 es el primer single de Le Jonathan Reilly... señales que muy pocos quisieron ver.
Pero lo dicho, fueron Jackson Milicia, los que hicieron llegar por primera vez la efervescencia que se vivía en la ciudad de El Turia hasta nuestra casita de Fuerteventura. Seis tipos llamados Mr. Perfume, Happy Carrot, The Girl With The Strawberry Nipples, Maese Burbuja, Campanilla y Giuseppe Star formaban este singular grupo que practicaba un rock compulsivo y mutante, salvaje y pantanoso, en el que voces y alaridos se dan la alternativa. Locos como una portada de Noticias Del Mundo, en Interludios Tuba meten efectivamente eso, una tuba. En ocasiones parecen fustigados por la visión, año tras año, de Rita Barberá vestida de fallera, y braman desesperados como en Unicornia Pequeño Las Vegas, con excitantes coros, y en otras parecen afectados por el consumo desmedido de telenovelas y hardcore como en Wanda Loo.
En definitiva, después de la irrupción de estos tipos en la capital che uno no se explica como pueden seguir en pie la Ciudad de las Ciencias o el Micalet, si es que este disco arrasa con todo.

Decapante / Desguace Beni / Reznik - Tripartit (Autoeditado 2007 / DiscosFractales 2009)

El tiempo es relativo, luego cada uno establece sus propias referencias sobre ese continuo para organizar y entender lo que ha sucedido. Si el actual underground madrileño fuese nuestra civilización, sin duda la aparición del sello Alehop! en el lejano 1993 sería el eslabón perdido entre el mono y el hombre, y este disco, junto con alguno mas, marcarían el año cero de nuestra era. Antes, el único single de Mushitcians o el primer disco de Ginferno habrían iniciado la revolución neolítica.
Como ocurrió en su día con la llegada de nuestro señor jesucristo, pocos fueron los que se enteraron de la edición de este disco en 2007, y algunos más los que lo hicieron a raiz de su reedición en 2009 a cargo de Discos Fractales.

De los tres grupos que participaron en este disco solo Desguace Beni ha llegado a nuestros días y llevan publicados dos singles, un número indeterminado de CD's y una cinta grabada en directo. Decapante desapareció después de dos discos y ahora podemos encontrar a sus miembros esparcidos en grupos como Bifaz y Mesa Camilla, además de a los mandos de lugares tan importantes para la génesis y normal desarrollo de esta historia como el Estudio Brazil y La Faena II.

Reznik también se quedaron por el camino, aunque dejaron un amplio rastro de grabaciones que comprende, al menos, los álbumes Palacio, Mi Mamá Me Mete, El Mal y Nauseas.

Decapante abren el disco con tres temas de un rock tan denso, que emana de sus dos bajos y su batería, que usted podrá caminar sobre su sonido al igual que nuestro mesías lo hacía sobre el agua.
Vienen a continuación los Desguace Beni, que aparecen aquí en formato de guitarra, bajo y batería, con cuatro temas que recomponen el organismo y lo dejan como nuevo tal como el hijo de dios hizo con tullidos, sordos y ciegos.
Reznik, dúo de guitarra y batería, cierran Tripartit con otros cuatro temas que multiplican sus ganas de gritar y moverse compulsivamente, además de su felicidad, en tanta cantidad como lo haría con panes y peces quien ustedes ya saben.

Disco milagroso.

Scumearth - Black Snow I - II - III (Autoeditado 2010)

Este fue el primer trabajo de Scumearth que compré, sabía de su adscripción al ruido y al ambient oscuro pero nunca lo había escuchado. Luego he seguido comprando sus trabajos y he ido conociéndolo un poco mejor. Por lo que he observado, Scumearth construye cada uno de sus trabajos desde un concepto inspirador, un leitmotiv, que en este caso es la degradación del planeta Tierra y la inminencia de un cataclismo final.
Black Snow se desarrolla en tres piezas, que ya desde sus títulos indican que la obra también cuenta con un cierto pulso narrativo. Pulso que Scumearth maneja con maestría, haciendo un minucioso trabajo con las texturas y dejando claro que tiene un completo control sobre el sonido, y por extensión, sobre los efectos que causa en los oyentes.
El trabajo se abre con In The Beginning, que comienza amenazante pero lejana, casi es un presagio. Avanza lenta, sobrecogedora, intimida, pero todavía podemos hacer oídos sordos. Solo puntualmente estalla en nuestra cara, unas cuantas veces, pero nosotros, necios que somos, ya nos hemos olvidado de cada golpe cuando recibimos el siguiente. Sentimos temor, pero podemos desviar nuestros pensamientos hacia otros lados como si nada ocurriera.
El segundo tema, titulado Poisoned Air, ya predispone a lo peor. Las voces suaves, pero mecanizadas, lo sitúan en un futuro, me temo que no muy lejano. Vacío y aislamiento, la muerte sin aspavientos, la vida se oculta y agoniza, máquinas a la deriva y azufre en el ambiente. Desolador.
La obra termina con Disastrous Effect, en la que el ambiente denso queda engullido por el horror sin control que procede de todos lados, que no da descanso y del que no hay posibilidad de escape. Aniquilación total.
Scumearth es el proyecto en solitario de Alonso Urbanos, que también se encarga del magnífico artwork de este trabajo. Presentado en caja de cartón negra tamaño CD, con grabados (no se si es la palabra apropiada) blancos y dorados, y los dos miniCD's que contienen este trabajo engarzados en una cartulina roja, uno por cada cara.
Como de costumbre, ponemos un tema, pero lo mejor que pueden hacer ustedes es acudir al bandcamp para escuchárselo enterito.

Autoplacer (Autoeditado 2010)

Había una vez cuatro amigos relacionados con la noche, la música, el arte y la cultura, que después de dos años de trabajo centrados en la autoedición de discos, fanzines y maquetas, decidieron celebrarlo. Para ello se sacaron de la manga, además de conciertos y un mercadillo de autoediciones, este fanzine con un CD recopilatorio de 24 bandas y 25 canciones que nuestros protagonistas sabían que merecían algo más que un MySpace. Y hoy, pues vamos a hablar un poco de todo lo que hay aquí y de mis favoritas, pasando de cualquier nexo estilístico y organizándolo todo un poco a mi manera.
En la categoría grupos de los que sólo he oído la canción que aquí aparece y que conocí cuando escuché este disco por primera vez, y que no sé si siguen tocando o no: Mind Trick de Qué Demonios Martínez, un instrumental cinematográfico con un swing flipante, y Salto De Cama, que no sé si cansarían en un disco largo, pero su gospel primitivo cristiano burlesco presente aquí por partida doble me alucina y me pone feliz.
En la categoría de ya consagrados en el subsuelo ninguna pega, tanto Los Claveles como Kokoshca, Antonna y Kana Kapila desde el principio tenían material noble donde elegir. En este caso Con La Pasta En La Mano, La Fuerza, Tú Hueles Mejor y la descacharrante y con la que no puedo estar más de acuerdo El Coco respectivamente.
En cuanto a favoritas de grupos que nunca sabemos si están en activo o lo han dejado porque van a su ritmo y que cada vez que dan señales de vida somos felices, quedamos encantados con Montañas y su tema La Barra, y, ¿cómo no?, los enormes Regiones Devastadas, aquí con Tango Dosmil.
De los grupos que sabemos a ciencia cierta que ya no están tocando, o lo intuimos, y que nos dejaron un único disco y se fueron, tremendos Los Plátanos con su El Yeti Es Pionero, y Sacramento con Hawaii. Busquen Pioneros Del Dólar de los primeros y Waiting For The Mascota de los segundos, discazos.
Y entre los grupos que no sabemos donde colocar está el temazo de Stasi, sorprendidos y entusiasmados quedamos con 1000 Fantasmas (La Batalla), y Los Alambres con su Recorta Y Pega, de los que estamos deseando que llegue su LP.
Y un pasito por detrás las canciones del resto de participantes, Waldorf Histeria, Diploide, La Otra Gloria, ¡Pelea!, Gran Logia, Bob Autómata, Vacío Perfecto, Evripidis And His Tragedies, Los Directivos, Okomo, Genkil! y Experimental Little Monkey.
Pues mas o menos esto es lo que hay, esto y constatar como ha cambiado todo en cuatro años, si en el 2010 esto se editó en CD y todos los grupos vienen acompañados de su dirección de MySpace, hoy se hubiese editado en vinilo, sería una fotografía estupenda de lo más excitante del momento y todos los grupos aportarían su dirección de bandcamp.

Hyperpotamus - Largo Bailón (Autoeditado 2009)

Lo primero que sorprende de este disco son los escuetos créditos. "Voz: Jorge Ramírez-Escudero". Luego viene la explicación, "Este fonograma contiene centenares de pistas de voz dispuestas en 12 canciones..."
Una vez sabido esto, cualquiera que escuche este disco convendrá conmigo que estamos ante una tremenda obra de la ingeniería sónica. Bueno, de eso yo no entiendo nada, pero me imagino que tiene que ser un trabajo de chinos ir superponiendo esas pistas, haciendo que entren y salgan en el momento preciso, combinándolas para que todo suene más o menos a como te imaginabas.
Así entre el virtuosismo más majara y la experimentación más feroz tenemos como resultado doce canciones construidas a base de voces, suspiros, jadeos, eeeeees, monosílabos, human beat box, gorgoritos, aaaaaas, lamentos, gritos, tatatatacas, coros, uuuuuuus, exhalaciones, palabras, onomatopeyas, jaleos, mmmmms, gemidos, alaridos que encima se deslizan por todos los tonos humanamente posibles. Y lo mismo construye una locura como Peloto que un trabalenguas pop con eco como The Unhappy Hedonist.
Imposible que en todo este alarde bucal no aparezcan momentos que recuerdan a grupos vocales de los 50, o a las divas del soul y el R&B de nuestros días, pero también se cuela el hip-hop instrumental, los cantos tribales y la locura cósmica de Sun Ra.
En mi caso este disco ha dado muchas más vueltas en el reproductor del coche que en el de casa. Me sabe mejor en pequeñas dosis, saboreando en los 10 minutos que tardo de casa al trabajo un par de canciones, que escuchándolo del tirón, donde suelo acabar algo exhausto.
Editado en CD, en un bonito digipack obra de Kina Marull, la foto, y Curra Rios, la maquetación y diseño, que vino acompañado de una pinza de la ropa sellada con la palabra Hyperpotamus.
Escuchen de qué les hablo.

El disco del mes de febrero. Iñigo Ugarteburu - For The Unknown (Foehn Records / Talo Recordings 2013) / Medievo - Discurso De Investidura (Autoeditado 2013)

Bueno, otro cambio de mes, momento que aprovechamos para dar un repaso mental de los discos que hemos estrenado y hablar un poco más de los que más felices nos han hecho. Empezó el mes con Hay Una Luz de Kokoshca, y lo vi claro, este será sin duda el disco del mes. Pero febrero es un mes pequeño y lleno de sorpresas, aparecieron por casa Qa'a, Coàgul, Anatomia Humana Desmontable, GAF Y La Estrella De La Muerte, Baron Samedi y Víctor Herrero, todos con discazos debajo del brazo. Una cosa increíble. Pero además Medievo e Iñigo Ugarteburu. Los elegidos porque los hemos puesto muchas veces. Guerra y paz, lucha y desolación, fin y nuevo principio.

En 1983 El Aviador Dro editó su disco Síntesis, un doble LP dividido en dos partes que se correspondían con sendos vinilos. El primero se llamaba Tesis y ahí se agrupaban los temas más pop y bailables, el segundo Antítesis, daba cabida a temas más agresivos, de marcado carácter político que golpeaban sin piedad a políticos, iglesia y ejército, nuestra troika de andar por casa. Este segundo es uno de los discos que más me ha gustado nunca. La secuencia de canciones formada por Camarada Bakunin, Intolerancia, La Arenga De Los Sindicatos Futuristas, Destino Contra Dios y Ruido De Sables es incostentable. El Aviador Dro no volvió a pisar esta senda, y Antítesis parecía haber quedado relegado al olvido.

Ha sido Medievo, treinta años después, crisis mediante, el primer grupo que a mi me parece que retoma ese camino. Lo retoma, lo amplia y lo actualiza. Guitarras frías y ritmo industrial, sonido oscuro, denso, contundente, ruidoso, atractivo, excitante. Discurso veraz y agresivo. Abren con Que Ardan Las Raíces, donde la voz declama: "Incendiemos los campos / Descuarticemos a nuestros hermanos / Mastiquemos las piedras y los huesos / ¡Que de una vez por todas muera esta tierra nuestra!". Todos somos culpables, la única solución es el aniquilamiento de este mundo. Y así avanzan, no lanzando consignas, ni incitando a la lucha, sino como unos visionarios que ya conocen nuestro futuro cercano, en el que los políticos ya sudan y desprenden el olor del miedo, donde sus cabezas ruedan en horario de máxima audiencia, mientras sus verdugos van comprobando lo bien que sienta el poder. Un futuro donde cada cual ha recibido su merecido, incluso los supervivientes, condenados a repetir lo mismo. Aquí hay rabia, pero también disección meditada de los males que nos aquejan y con los que aquejamos a los demás.

Y después de la destrucción, mientras todavía el suelo echa humo, cuando todavía el regocijo del horror no me ha abandonado, cuando la sangre aún está fresca, como el teniente coronel Kilgore de pacotilla que soy, lo que me pone, lo que me gusta, después de una buena dosis de Medievo es poner For The Unknown de Iñigo Ugarteburu. Un disco bonito como pocos, que es triste pero sanador, que es esperanza y paz, como la muerte. Que es recuerdos y también un nuevo principio. Yo digo que es un disco de pop valiente, ya los que saben y distinguen dirán si es pop de cámara o ambient-pop. O también puedo decir que es un disco de pop mágico, ya que es lo que se produce cuando comienza Miradas, con un clarinete y una guitarra trenzándose de manera maravillosa. La voz, el leve impulso de la batería, se incorporan al poco tiempo y la cosa sigue dando para levitar, para soñar, para sentirte sólo o para reconfortarte. Siete minutos que pasan en dos, y esta es la tónica de este artefacto sin par. Cuatro canciones, algo más de media hora, en la que todo lo que suena es precioso, en la que la nómina de instrumentos es muy amplia y sin embargo en ningún momento suena sobrecargado, al contrario, es pura belleza en su delicadeza, en su calma, en su susurro y en su aparente sencillez. Al final, la reconciliación del alma con lo que queda de humanidad tras el horror, con Iñigo bordándolo con su guitarra.

Medievo son David Medina y Miguel Ángel Blanca, y su discurso de investidura viene en un 10" con un cuidado diseño de Núria Güell y Levi Orta, que incluye una preciosa funda interior. Este disco es su primera grabación, pero creo que ya están preparando la siguiente.
Iñigo Ugarteburu es Iñigo Ugarteburu, que en esta ocasión ha contado con la ayuda de un buen montón de gente: Joshua Abrams, Todd A. Carter, Xabier Erkizia, Brent Gutzeit, Michael Hartman, Jeff Kimmel, Frank Rosaly, Dudley Bayne, Nick Broste, Tim Daisy, André Gonçalves, Yannick Dauby, Alex Mendizabal e Iban Urizar. Espero no haberme dejado a nadie en el tintero. Este es el segundo trabajo que conozco a su nombre, y se que antes militaba en Cafe Teatro, con los que también nos dejó un buen par de discos. En casa lo compramos en CD porque mientras lo podamos tocar, el formato no nos importa mucho, pero he leído que la edición en disco de vinilo viene con portada hecha, o estampada, a mano, obra de Craig Stewart y Lindsay Todd.

Oreja Aguirre - Díselo Con Serpientes (Autoeditado 2013)

O Bo De Vil poniendo la oreja

Hola, estamos aquí otra noche más con nuestra sección favorita, Artista Invitado. En esta ocasión contamos con la colaboración de un músico que conocí hace bien poco. Fue a raíz de invitar a Alberto Noiseland a este mismo experimento, una de sus propuestas fue hablar de O Bo De Vil.
A mi el nombre se me quedó grabado y después de echarle un par de escuchas a su disco ¡Más Ruidoso! ¡Más Enredado! ¡Más Jodido! no pude resistirme a hablar de esta formación absolutamente desprejuiciada en una de las entradas de este, mi querido blog. Pues esta noche tenemos con nosotros al mismísimo O Bo De Vil. Bajo este alias público el disco antes citado. De su más remoto pasado sólo sé que su anterior proyecto se llamó The Two Halfs, y que con él editó al menos dos referencias. The Commercial Single en 2008 y Vil en 2009. Su último movimiento ha sido colaborar en Black Ramhael & La Gestapo Del Espacio Exterior, una suite en nueve movimientos que acaban de crear J. Verben y TripasChungas.
Cuando le propuse participar en esto, me comentó que le apetecía hacerlo hablando de Oreja Aguirre, y yo, que sólo conocía este proyecto de oídas acepté encantado, no sabía donde me metía.

Como hace tiempo que no lo digo, les repito que los dos textos que hablan del disco están hechos de forma independiente, sin que uno sepa nada de lo que escribe el otro. Es la única regla del juego.

O Bo De Vil dice:
Creo que estoy en el mundo de la música un poco por accidente. Empecé a hacer música antes de realmente escuchar grupos y mierdas… Escuchando sonar las cuerdas al aire de una guitarra vieja que tenían mis padres. Aquel sonido tenía algo misterioso, algo que de alguna manera podía relacionar con lo que estaba sintiendo, y a la vez, quizás expresarlo. incluso amplificarlo y moldearlo.
Para mi la música empezó así, y aunque luego vinieron las bandas, los grupos y la tontería, para mí sigue estando muy relacionado con aquello.
Me da la impresión de que Oreja Aguirre está también en el mundo de la música por accidente, (en el mundo en general también). Parece que simplemente utiliza la música como un modo de expresión porque le funciona. Utiliza sonido y textos, textos no verbalizados dentro de las canciones, sino incluidos de forma adicional a los cortes. Así, lo ideal para escuchar a Oreja Aguirre es hacerlo mientras se leen los textos a la vez.
Oreja Aguirre se mea en el entretenimiento, se caga en los grupos y nos la mete por detrás. Él quiere simplemente expresarse. Y lo hace de manera descarnada, visceral, violenta, desesperada. La desesperación es un factor crucial, generando esa necesidad de inmediatez, de quitarse la mierda de encima, de decir las cosas claras de una forma concisa y honesta, tan poco común.
Quizás, la desesperación de encontrar una razón en el arte, en la expresión… para no quitarse la vida, o en casos menos extremos, al menos dejar constancia de lo que uno ha sentido y sufrido.
Con esto te das cuenta de lo poco vendible de la propuesta, y lo poco que importa eso.
"Díselo con serpientes" es su colección más variada hasta la fecha. Aquí aparece una buena mezcla de sus temas recurrentes: el odio, el rencor, la depresión, el suicidio, el asesinato, etc. La cosa es jodida, el nivel de gore y misoginia aquí es descojonante, y aún con el desgarro emocional que supone el conjunto y la nula intención de darle un tratamiento irónicamente pop al asunto, hay lugar para bromazos desesperados como "Rica manteca de puta".
Oreja Aguirre escupe unos textos abrasados, desgarrados, de una crudeza y emoción total, así, el sonido, una amalgama experimental ruidista, es el complemento perfecto para catalizar esa energía y darle ritmo y aire a un discurso tan salvaje. La propuesta es jodida, los temas más, el resultado es un autentico regalo que no me cansaré de reivindicar.
"Díselo con serpientes" y la obra de Oreja Aguirre en general, se ha convertido para mi, en una piedra de toque, una materialización de la esperanza y la complicidad. Un puto tío expresándose en sus propios términos (¡y vaya términos!), y sin importarle una mierda lo que piensen los demás.

Alfredo dice:
Mira por donde, cuando decidimos que este iba a ser el disco objeto de reseña, lo primero que hice fue ir al bandcamp y echar un ojo. Portada que produce un poco de dentera, como cuando miras una herida desagradable, que te hace apartar la vista pero otra vez quieres verla y fijarte en los detalles. Luego, 28 canciones con títulos de antología, algunos me gustan, como Tal Vez El Cortacésped Me Comprenda, y otros no van conmigo, como Rica Manteca De Puta. Escuché tres o cuatro canciones y tuve que dejarlo, me surgieron otras cosas que hacer, no porque me desagradase. Y hasta que le di la siguiente escucha, había varias cosas que no comprendía. En el bandcamp las canciones tienen letra, están ahí escritas, pero no están en las canciones, en las que había escuchado no aparece ni una palabra, salvo en la inicial, justamente la que Oreja Aguirre señala como instrumental.
Después de la primera escucha completa llegué a conclusiones, este hombre lo está pasando muy mal, quiere cantar y no puede, le hace mucho daño, deja ahí sus letras, pero moriría si las tuviese que cantar, el amor es muy jodido cuando todo sale mal. Me ayudaron a llegar a esta conclusión las tres canciones que vienen señaladas como instrumentales, las tres que en verdad tienen letra, las tres que son hits populares deformados, ralentizados. A saber, esa que dice "hay que ser torero / poner el alma en el ruedo" abriendo el disco, una de Jon Secada en el ecuador y la de "Carolina trátame bien" para cerrarlo. Me recordó a mi juventud, a tener que escuchar a Glenn Medeiros porque a la otra persona le gustaba, porque había que ser romántico. Uno de los tres temas anteriores se titula Momento Jon Secada, en mi barrio eran momentos You're a Woman.
El disco me había transmitido sobredosis de rabia, de desesperación, de descomunal enfado contra todo y contra todos, pero también lamentos de una vida condenada al horror. Lo escuché mientras leía las letras en la pantalla del ordenador, letras repletas de dientes rotos, sangre, insultos y mil maneras de matar y de morir. Cuando acabó me dije, voy a poner otra de sus referencias y probé con No Por Esperado Es Menos Doloroso, la primera que aparecía, con canciones que datan de 2007, y cual fue mi sorpresa al leer esto: "Cuando el amor de mi vida decidió que lo era mejor dejarlo y emprender caminos diferentes pensé muy seriamente en quitarme la vida. [...] Quise canalizar todo mi dolor escribiendo canciones a las que ni tuve el coraje de poner voz, canciones dolorosas, mal acabadas (como mal acabó lo nuestro), viscerales, tristes.
[...] Quiero compartir esta miseria y este dolor con el resto del mundo con la esperanza de que entendáis que no hay luz detrás del túnel: sólo un sufrimiento que, con el paso de los años, aprendemos a llevar con mayor dignidad."
Joder, no sé con qué humor anda después de más de seis años, pero la cosa parece que no ha cambiado mucho, o al menos así me lo transmitieron sus canciones. Si las que acabo de copiar y pegar siguen siendo sus intenciones, doy fe de que con estas 28 canciones que componen Díselo Con Serpientes lo ha conseguido plenamente.
En lo musical, lo que hay aquí son máquinas funcionando a pleno ritmo, que dejan sensación de incomodidad, de retorcimiento, que emiten sonidos que contravienen la Convención De Ginebra, que sin dificultad pueden ser calificados de tortura, y que aun así, en ocasiones abrazan la melancolía y la tristeza, como en Navidades Con Oreja Aguirre o Anoche Te Vi Paseando Al Perro.
Incluso alguna canción, pienso en Ojalá Algún Día Te Peguen un Tiro o Yo Te Respeto Como Mujer Y Como Persona, podrían ser hits de las pistas de baile. Pero de una manera u otra, siempre con el dolor al límite del sonido.
No para todos los días, no para todos los momentos, pero indispensable para no vivir en la inopia.

O Bo De Vil quiere que escuches El Queso Maricón.

Alfredo quiere que escuches Navidades Con Oreja Aguirre.

The F.E.O.S. - The Funky Experience Orgasmic Sounds (Autoeditado 2009)

Mira por donde, mi amiga Carolina me regaló este disco. Ella conocía a alguno de los músicos que participan aquí y me pasó una copia ya hace unos buenos años. Es el primer disco del grupo y en su título ya viene más o menos explicado lo que hay aquí dentro. O no tanto, porque The F.E.O.S. cogen por la calle del medio, y puede que la arteria principal sea el funk, más en actitud que en sonido, y avanzan por ella aprovechando todo lo que llega por las bocacalles que bajan desde todos los barrios negros. Jamaica y Brasil también confluyen a esta vía principal, y así lo mismo le dan a las cadencias dub y el ragamuffin, que al nuevo soul con falsete y coros graves con estribillo rapeado. El inglés se mezcla con el portugués, otros estribillos invitan al baile salvaje con guitarras que te hacen saltar, igual recuerdan a Red Hot Chilli Peppers que a Hechos Contra El Decoro, lo mismo arman un muro de guitarras que se ponen sensibles entre bases programadas. Hay trompetas y percusiones, y si no todo, mucho de esto ocurre incluso dentro del mismo tema. Catorce temas que no dan respiro. Muchos quizás.
Recuerdo que la primera vez que Carolina me preguntó le dije que a veces parecía que hacían 50 canciones en una, y que eso me desesperaba un poco, que había momentos estupendos pero que no los explotaban, sino que "venga, vamos al siguiente". Ahora ya estoy más acostumbrado al disco y parece que se deja oir mejor.
En esta ocasión The F.E.O.S fueron César, Pompo, Ruyman, Josiño y Moncho, que además contaron con la colaboración de Samuel Medina, Jairo Cabrera Estevez y Farah Glover "Pasta".

El disco del mes de noviembre. Le Jonathan Reilly - 7" & Rarities (Musagre 2013) / Yogur De Pera - Yogur De Pera (Autoeditado 2013) / Polígono Hindú Astral - El Absurdo Se Multiplica (Autoeditado 2013)

Otro mes, otra vez a elegir, y sin que nadie nos lo mande. ¡Como somos! Pudiéndonos quedar con todos o casi todos y nosotros elige que te elige. Así que en absoluta rebeldía y devaluando aún más esta recompensa, este mes no me queda más remedio que elegir tres como los discos que más veces he puesto en casa. Y me dejo fuera el de Contador Geiger por ser de hace un par de años (y no queremos que nos digan que no estamos a la penúltima), la cinta de Coàgul porque hay que dejar para los demás, y la de Paralelo y +++ porque sólo trae un tema por cara. El CD de Teletransportarse A Soria y el single de Hernando también andan muy bien.
Le Jonathan Reilly creo que eran valencianos, estuvieron en activo entre el 2003 y el 2008, año más, año menos. Durante su vida grabaron un LP titulado I Need Money, que editó Holy Cobra Society y que le voy a pedir a los reyes. O a su cuñado, al que mejor este de perras.
Además Le Jonathan Reilly sacaron un single más a su nombre y compartieron unas cuantas ediciones con otros grupos. Todas las canciones que esparcieron en esas rodajas vinílicas están aquí, acompañadas de una maqueta y alguna inédita. Así, esta cinta se convierte en un valioso artefacto recopilatorio de uno de esos pocos grupos que lo tienen. Si, que lo tienen, ¿el qué tienen?, pues eso que no tiene nombre pero que hace que cuando cogen una guitarra, una batería, un bajo o lo que sea, se produzca el shock, independientemente de que el sonido sea perfecto, o igual la imperfección ayuda, independientemente de que te acerques o te alejes del garage, el punk, el surf. Todo aquí es rockanrol, son sensaciones estimulantes recorriendo tu cuerpo, es desmadre, es excitación primigenia y es real. Canción tras canción, como decían Espasmódicos, encienden tu motor.

Yogur De Pera son un dúo de guitarras, de ellos he hablado ya un par de veces este mes, así que lo suyo es que yo me contenga y no vuelva a echar otra parrafada sobre la gran "alucinancia" de su música y usted, querido lector, dedique un poco de su tiempo a escucharlos. Sin duda, enseguida de olvidará del reloj, acomodará el volumen a su gusto y comenzará un viaje que querrá repetir muy a menudo. Hágase un favor y haga la prueba.
Polígono Hindú Astral tienen uno de los mejores nombres que te puedes echar a la cara. Hace unos días acaban de anunciar que ahora son tres, pero en esta grabación eran dos. El Absurdo Se Multiplica es su segunda grabación, anteriormente editaron otra cinta con el binario título de 00111010 y hace muy poquito han colgado en su bandcamp dos nuevas canciones agrupadas bajo el nombre de Panspermia.
El Absurdo Se Multiplica es una cinta con tres o cuatro canciones según la cara B que te haya tocado. A mi me tocaron las dos disponibles porque frente a la decisión del grupo de vender una copia por persona, alegué mi condición de familia casi numerosa. Una para mi hijo y otra para mi hija. Este Polígono hace música electrónica, y yo de eso no sé mucho, toda mi experiencia se reduce a haber escuchado muchas veces los primeros discos de El Aviador Dro. Así que no sé sí es apropiado usar las palabras kraut, motorik y esas otras que aparecen cada vez que un grupo hace electrónica de la que puede recordar a los ochenta. Ellos a veces están cerca de ese tecno-pop con deje industrial, otras se ponen más ruidosos, con texturas más ásperas, y otras más contemplativos, pero siempre apasionantes y con calidad a paletadas. Y ya sabrán ellos si experimentan o no experimentan.

Erizo - No Mientes La Bicha (Autoeditado 2010)

Olovor, atrapado por Erizo

Hoy volvemos a nuestra querida sección Artista Invitado, que va creciendo poco a poco, propiciándome, al menos a mi, bastantes alegrías. En esta ocasión tenemos con nosotros a Olovor, el que fuera vocalista y guitarra de los donostiarras Curasan. Nos dejaron como legado un tremendo LP, Curasangre!, que editaron con la ayuda de We Are The Robots, Ojalá Me Muera Records y Ojalá Esté Mi Bici. Previamente se habían autoeditado dos referencias de cinéfilos títulos Richard Pryor y Apollo Kreed. Una vez terminada esta experiencia le llegó el turno a Gremliny un combo de punk rock epiléptico, donde tocó la batería, y que dejó cuatro canciones en su bandcamp. Ahora Olovor está lejos, anda por Lima, y me cuenta que en casa se deleita tocando canciones de Fajardo y Erizo. Tiene planes de futuro, quizás empezar un proyecto en solitario, esta vez cantando en castellano, y que llevaría por nombre Palmera Adolescente. Al invitarlo a participar en el blog no me dejó opción, cuando me confirmó que lo haría, ya había elegido el disco y escrito el texto. Con lo que me gusta a mi lo de proponer el disco y que me digan que no. No Mientes La Bicha, el segundo disco de Erizo es el que vamos a destripar. Todo un placer.

Olovor dice:
Toco música, pero por alguna razón no consumo tanta, y en castellano menos. Por aquella época montaba algún que otro concierto en Mogambo. A Erizo les monté un bolo y luego escuche este disco, o lo sacaron luego. No recuerdo el orden... pero este disco, su producción, su ejecución y sobre todo la voz y letras me atraparon. Había cosas que me descuadraron desde un principio en el cerebro, y no eran cambios de ritmo ni tempo, y eso me gustó. ¡Y en castellano! Wow, subidón para mi.
La pista 3 “Pálido” me atrapo desde el principio. ...No hay nada más triste que un chico de la calle en una clase de literatura... Poco a poco fui prestando atención al resto de pistas, hasta que el disco entero me fascinó. Erizo son de Vitoria, un trío normal que no hacían una música muy distinta a otra banda del mismo estilo, pero fueron la banda sonora de mi coche por aquel entonces y no paraba de escucharlos, les cogí cariño.
No soy buen letrista, mas bien un poco torpe, así que atender a estas letras me encandiló. He discutido varias veces con otras personas acerca de lo que tratan las canciones y no nos ponemos de acuerdo. Eso me fascina. El canto me parece un atrevimiento en toda regla, admiro la valentía. En “Diente y Llaga” me encanta. El final de "Bendita Decapancia" es épico cuando menos, y me recuerda a Promise Ring. No me preguntes por qué.
Actualmente me deleitan los temas "Muerto no cuenta", "Grindaje" y "Bendita Decapancia". El tema con el que abren el disco también es muy bueno.

Alfredo dice:
Mira por donde, en la guerra entre los discos de canciones redondas de sonido más que trillado y los que aportan riesgo, ideas, innovación, aún sacrificando los temas, nunca he sabido muy bien donde posicionarme, o más bien me importa poco. Mi única vara de medir un disco son las ganas con que lo vuelvo a poner una vez se ha terminado.
Y aquí es donde no caben dudas, No Mientes A La Bicha es un disco que apetece poner, que a las tres escuchas ya estas mal cantando muchas de las estrofas sin darte cuenta (adhesivo el final de Bailes De Arena, el estribillo de Pálido), que hace que tu mano se aventure en un punteo clandestino y que tu cadera se intente mover con un poco de gracia sin que puedas remediarlo. Es un disco de rock tenso pero sexy (Grindaje), de ese rock que lo mismo aprieta los dientes y vira al punk (Diente Y Llaga), que se calma y desgarra por su áspera sensibilidad (el comienzo de Corrientes Continuas, Bendita Decapancia). Que gusta de enmarañar las guitarras, que bebe de las mismas fuentes que el de los Nudozurdo de Sintética, y que en este disco en ocasiones puede tener un regusto a Nueva Vulcano (Crisálida) y en Pálido a El Hombre Burbuja. Canciones cargadas de verdad y de poesía, las letras son punto y aparte, en un señor disco hecho para girar, girar, disfrutar y disfrutar.
Erizo fueron en esta ocasión Asier, Mikel y Aritz.

Olovor quiere que escuches Muerto No Cuenta.



Alfredo quiere que escuches Bailes De Arena.

El disco del mes de septiembre. Coàgul - Eclíptic (Autoeditado 2013) / Xeerox - 1979-1981. Recuerdo Espectral De Un Viejo Decorado Eléctrico (Anòmia 2013)

Difícil ha estado la elección este mes, han llegado a casa discos muy buenos, entre ellos el Vida Gris 32 de Gudar, del que no he dicho ni mu, y que fácilmente podía haber aparecido hoy aquí. La razón es que espero que pronto salga en la sección Artista Invitado. Entonces ya le haremos justicia.
Al final me he decidido por Eclíptic de Coàgul y Recuerdo Espectral De Un Viejo Decorado Eléctrico de Xeerox, dos propuestas que me dejan una huella profunda.
Dos discos de gestación muy distintas, el de Coàgul responde a un plan preconcebido. Es fruto de su estancia de una semana en Cal Sala, una masía en la que sólo hay una iglesia con su cementerio y un observatorio astronómico. Por el día cuevas y montañas, y por la noche estrellas y planetas. Durante esta semana debía idear un tema cada día, por prescripción de Gràcia Territori Sonor, artífices de la propuesta. Por otro lado, en el disco de Xeerox se recogen ensayos que abarcan un periodo de dos años, grabados en su local, un búnker de Barcelona, sin ningún retoque en el sonido. Imagino que a estas alturas ya habrían descartado ver estas grabaciones publicadas.
Edición en vinilo para este Recuerdo Espectral con libreto A2 de doce páginas. Y deliciosa presentación en caja de cartón para Eclíptic, que incluye libreto en tinta roja y trozo de hueso, y la obra dividida en dos partes, el CD Setmanari Eclíptic y el mini-CD Condensació Eclíptica.

Xeerox, según cuentan, concebían sus ensayos como un continuo de improvisación a base de guitarras, sintetizadores, cajas de ritmo, bajos, batería y voz, según època. En el disco aparecen diez fragmentos sin título repletos de hallazgos, genialidades e ideas que remiten a un montón de nombres posteriores en el tiempo, que corrieron mejor suerte. En un par de piezas manda la contundencia del ritmo, en las demás convierten el sonido en un ente opresivo, creando un ambiente gris, plúmbeo, asfixiante y más dañino que el amianto. Tremendos collages sobre muros de hormigón armado. Atonalidad, disonancia, libertad absoluta, parece muy acertada la decisión de mostrar el sonido tal y como se conservaba, degradación magnética incluida, añaden en los créditos. La sensación de estar presente en el local de ensayo es absoluta, ese placer que sólo se conoce cuando se está ahí, ese cosquilleo de estar en medio de un proceso creativo, con su genialidad y su desorden. Sintiéndolo todo en bruto. Pones el disco y casi puedes ver el sudor chorrear por las paredes.
Se me ocurre que si estas grabaciones llegan a ver la luz en su día, igual la historia de la música electrónica experimental e industrial en este país no se comenzaría a contar por Esplendor Geométrico.

Coàgul en Semanari Ecleptico nos trae siete conjuros. En los cuatro primeros la electrónica (ayudada por ruidos) percute como si de una txalaparta del siglo XXI se tratase, sin apabullar, dejando espacio al silencio, (llevado al extremo en Ben Endins De La Cova Negra), a las grabaciones de campo, omnipresentes en todo el disco, y a la voz, que recita una y otra vez sus textos como un chamán, con ese ligero eco que acrecienta la sensación de estar perforando tu mente. En los tres últimos conjuros la electrónica le gana la partida al silencio y esboza incluso alguna melodía. En Cobriu-me De Flors hasta se canta en absoluto trance, y el sonido de la campana encaja como un guante.
Deja la sensación de haber asistido a un ritual secreto, de presenciar una de esas tradiciones oscuras que se transmiten de espaldas a la civilización, y a la vez, de haber contemplando la fórmula secreta de la alquimia o el secreto de la construcción de las pistas de Nazca. Fascinación absoluta.
Además en Condensació Ecliptica toma las grabaciones de campo recogidas y construye una larga pieza instrumental que tiene algo del Ulises de James Joyce o del Gerry de Gus Van Sant, lo que parece un viaje a pie durante toda la noche desde Cal Sala a un lugar secreto de congregación para celebrar un rito al amanecer, no deja de ser una tremenda epopeya interior.

Y como siempre, solo nos falta decir quien es quien. Coàgul es el proyecto personal de Marc O´Callaghan, que compagina con otros proyectos como +++, Herpes y Crani Séptic, además es ilustrador y muchas más cosas. En Xeerox estuvieron Mario Almonacid, Javier Hernando (que ahora graba a su nombre y que estuvo detrás del mítico sello Ortega Y Cassette), Krishna Goineau, Magda Redondo, Pere Llorens; Cheity, Raúl Guber, Luis Lorenzo y Germán Lazaro. 

Unicornibot - Hare Krishna (Autoeditado 2010)

Mira por donde lo mires por donde lo mires, esto es un discazo. Tiene un sonido cojonudo, claro que estando grabado en los Estudios Brazil ya no debería sorprenderme. Según parece Unicornibot hacen math-rock, y en casa de rock no sabemos mucho, pero de matemáticas un rato. Así qué vamos a hacer la gracia. Y de entrada tengo que decir que a esta sucesión de nueve canciones el único término general que las explica es el de batería y bajo ofreciendo un recubrimiento compacto más guitarras a la enésima potencia. Titulan los temas abrazando la lógica borrosa de Zadeh: "La Segunda Es La Tercera", "La Tercera Es La Segunda", "Palmas" (y no hay palmas ni nada parecido, pero igual a ti se te ocurre darlas mientras la escuchas). De las canciones podemos sacar factor común la contundencia de los ritmos, los cambios de salto finito que hacen que tu torsión y curvatura no permanezcan constantes al oírlas y la ausencia de crescendos, (aquí las canciones siempre están en clímax). Por tanto tenemos un disco de rock instrumental lleno de puntos singulares, puntos angulosos y algún que otro punto de acumulación. Eso sí, todos puntos adherentes. Bueno, que en todo el disco no paran de demostrar que son un grupazo, y lo hacen por inducción, por el contrarrecíproco y hasta por reducción al absurdo. Ellos se definen como los cuatro jinetes del mathrockalipsis, y no deben andar desencaminados. Y yo me borro de los pitagóricos y grito al mundo el nuevo axioma que nos traen: Do The Unicornibot! Más estimulantes que la teoría de grupos de Galois, c. q. d.
Por cierto, este fue su primer tratado, y ahora están descansando de la presentación del segundo por todos los congresos que se les pusieron a tiro.