Mostrando entradas con la etiqueta 2012. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta 2012. Mostrar todas las entradas

miércoles, 30 de septiembre de 2015

Vladimir Nevnwolts - Fynal Death And Fvneral Ov Thee Rock'n'roll Civilization (Demonodrome 2012)

De todas las biografías de Vladimir Nevnwolts que circulan por la red la más creíble es la que data su nacimiento en 1431, en la ciudad de Sighishoara, como hermano siamés del príncipe Wladislaus Dragwlya, más conocido por la historia como Vlad El Empalador. Separados nada más nacer, su padre decidió la muerte de uno para salvar la vida del otro. Su cuerpo fue arrojado a los bosques de Valaquia, donde se cree que sobrevivió ingiriendo insectos, invertebrados terrestres, reptiles..., dieta que luego cambiaría por la de los cuerpos de los soldados otomanos que su hermano solía empalar a lo largo de su territorio para disuadir al enemigo de futuros ataques.
El resto de la historia de Wladislaus ya la conocen ustedes, acostumbraba a saciar su sed con la sangre de sus enemigos, lo que le propició una larga vida que dio origen al mito del vampiro. Mientras, su hermano Vladimir no tenía tantos escrúpulos, aficionado a la música, adicto al ejercicio del terror total, a la hora de alimentarse no distinguía entre amigos y enemigos. Se le reconoce ser el primer músico en la historia en usar públicamente el tritono, también conocido como acorde del diablo. Este sonido había permanecido prohibido durante toda la Edad Media, a instancias del monje benedictino Guido de Arozzo, debido a su carácter maligno. A la secuencia de estás tres notas se le atribuía el poder de levantar inquietud en quien lo escuchaba, y producir una disonancia tan perturbadora en el oyente que su naturaleza lo llevaba unívocamente hacia pensamientos impuros conducidos de la mano por Satán. El resto de la vida del señor Nevnwolts, incluida su muerte, no está documentada.
Solo existe un registro de su música, del que se conservan once copias repartidas por el mundo y que sus dueños, de los que nunca se han hecho públicos sus nombres, ocultan celosamente. Se sospecha que alguna copia llegó a manos de The Sisters Of Mercy, Motörhead, Leonard Cohen, Death In June y The Stooges, ya que todos ellos han incluido alguna de las canciones de Vladimir Nevnwolts en su repertorio. Versiones que nunca superan las originales, interpretadas con una maltrecho instrumento de cuerdas y una voz grave que retumba insondable en la mazmorra donde fueron grabadas.
El profético título, me imagino que incomprensible en la época, quizás ya es hora de que se haga realidad.


martes, 14 de julio de 2015

One Thousand Pilots - Maleus Maleficarum (Vol. 1) (Debila Records 2012)

Bastante trabajo me ha dado el título de este disco, en parte, me imagino, por mi nulo nivel de latín. Parece claro que Maleficarum se puede traducir como "de las brujas", pero el problema está con Maleus. Tal como aparece escrito, la única opción que he encontrado es que se traduciría como "de, o perteneciente, a Malea", siendo Malea la ciudad de la que Quirón, el mejor de los centuros, era rey. Otra cosa es que fuera Malleus, entonces tendríamos la palabra "Martillo", y el título haría mención al Martillo De Las Brujas, el tratado sobre brujería y leyes más usado en el Renacimiento desde que se instauró la caza de brujas. Publicado en 1487, fue el libro de cabecera para los tribunales de La Inquisición y para todo aquel que enjuiciaba un proceso por brujería.
Independientemente de todo esto, que no deja de ser mas que un anecdótico intento de encontrar respuestas a mi propia curiosidad, lo importante aquí es lo que Alejandro Remeseiro, la persona que trabaja bajo este y otros cuantos alias mas, nos pone al alcance del oído.
En esta ocasión son tres temas brutales de ruido industrial lleno de ritmos animales, que percuten sin pausa tus entrañas y todo lo que se les ponga por delante. Sin apenas descanso, tan solo ese corto diálogo al final de The Contract (Okrug) acompañado de lo que parecen nalgadas y alguna queja, los dieciséis minutos de tortura que contiene este disco se reparten en los cinco de Mekanikal Skene's Gland, auténtico martilleo a velocidad, donde los cambios y algún espacio para el ruido no hacen más que aumentar el placer. A estos le siguen los seis de The Contract (Okrug), mas arrastrados, donde no solo se golpea sino también se frota, con el final del que hablábamos antes. Y por último están los cuatro y pico de Controled Violence, donde lo de "Controled" es un decir. Sin la contundencia rítmica de las anteriores, pero más agresiva, cruza gritos, ruidos, pitidos y caos de manera incontrolada.
Como diríamos en mi barrio, este disco es un auténtico pepino. Deseamos que haya un volumen dos.

domingo, 12 de julio de 2015

Sundae - Sundae (Little Treasure 2012)

No sé si será cierto eso que suelo escuchar a los actores cada vez que les toca hacer una comedia, afirmando que es el género mas complicado de hacer. En cambio, creo que no he oído nunca a un grupo recalcar lo difícil que es hacer buen pop, cuando a mi me parece una de las opciones más complicadas por las que se puede optar. Se corren muchos riesgos haciendo pop en el mundo independiente, las acusaciones pueden ser de todo tipo. De abrazar la comercialidad, de falta de originalidad, de quedarse en lo sensiblero, o por el otro lado, de ser pretendidamente arty, de tener un discurso vacío, de sobreactuar y... tantas cosas mas. Tampoco veo que el público lo valore mucho, este parece centrado únicamente en buscar su canción, y desdeñar todo lo que no lo conquiste a las primeras de cambio. En definitiva, es ingrato el camino del pop.
Así que partimos de que Sundae son unos valientes. Unos valientes que llevan mucho tiempo buscando la melodía perfecta y la letra que te encoja el corazón, desde 2008 concretamente. Siete años ya intentando que sus historias personales, cotidianas, pequeñas, que van editando en reducidas dosis, toquen la fibra sensible y enamoren a quien las escuche. Conmigo lo consiguieron una vez, Todo En Un Día, estaba hecha para mi, eran postales de mi juventud, recuerdos que nunca se me olvidarán a los que ellos habían puesto música.
Pero esa canción no está aquí, aquí hay otras cuatro, construidas con el mismo cariño, y mimadas en sus detalles, pero parece que en un momento en el que en el grupo se imponía la nostalgia, la melancolía y el anhelo. Quizás este sea el motivo de que estas canciones no pretenden jugar la baza de la inmediatez, un poco la más luminosa Mil Canciones, sino que apuestan por la escucha atenta y la recompensa a largo plazo. Que la hay, la casi susurrada Mas Brillante sigue escalando posiciones en el ranking de mis imprescindibles con cada reproducción.
En esta grabación Sundae fueron Davis, Cris, José y María.


sábado, 4 de julio de 2015

Pablo Canalís - Folclores Imaginarios (Norte Sur Records / Disconsonancia / Truco Espárrago 2012)

Como bien dice el dicho, el saber no ocupa lugar, a lo que añadiremos desde aquí que el saber tocar instrumentos de todo tipo, tampoco. Otra cosa es el espacio que pueden ocupar todos esos instrumentos si tu pasión es coleccionarlos, y otra cosa mayor todavía es el tiempo que puedes ocupar entre ellos, escuchándolos, conociéndolos, y haciéndolos dialogar sea cual sea su lugar de origen.
A Pablo le ha llevado unos cuantos años armar estos folclores imaginarios en los que uno puede encontrar una maquina de escribir que contesta a un fagot, o a una tribu de pigmeos paseando por la Nação Nordestina mientras soplan en botellas, o a la colonia japonesa de Suecia tocando el taishokoto acompañándolo de golpes sobre una mesa de Ikea. Todo es posible en el territorio en el que se fragua este disco.
Y no es que yo tenga un oído capacitado para reconocer y distinguir todo el instrumental que se asoma en los veinte fragmentos (o veintiuno, que hay uno escondido) de esta música procedente de extrañas regiones que existen en el mapa de la imaginación del señor Canalís, es que en el libro que acompaña al CD, de clara vocación didáctica, viene todo muy bien explicado. Quizás tanta información atenúa el misterio de lo que aquí suena, pero a cambio se aprende mucho, y no solo de música.
También me parece que la mayoría de los temas se quedan algo cortos de minutaje, este disco debería ser triple o cuádruple, y cada tema rondar los siete u ocho minutos. Un viaje donde la música de Bali va al encuentro de la santería Afrocubana merece ser disfrutado con tiempo, no en un minuto y medio. La brevedad de algunos temas me parece que le hacen perder hipnotismo, chamanismo y nos priva de mantras que podrían embriagarnos durante horas. Y es que hay gran cantidad de momentos realmente cautivadores en este disco, que pasan demasiado rápido.
Para dar alguna pista mas, diré que en casa colocamos los discos alfabéticamente, pero si no fuera así, no dudaríamos en ponerlo al lado de discos como el 13 Cuerdas de Jesús Auñón, el debut de Eduardo Bort, los primeros dos de Gualberto y The Book Of AM, pero escorado hacia el estante experimental, y mirando de reojo a Pascal Comelade. Ese es el espíritu de estos folclores imaginados.
Además de Pablo Canalís participaron en la grabación de este disco Eduardo G. Salueña, Guzmán Argüello, Israel Sánchez, John Falcone, José Luis Feijoo y el grupo Killing Zoe, que son Pedro Menchaca, Fran Molinero y Carlos Cantarero.



sábado, 14 de febrero de 2015

QATEM - QATEM (Musagre 2012)

Dicen por ahí que QATEM (acrónimo de Quiero A Todo El Mundo) hacían synth pop de extracción lo-fi, pero ya saben ustedes como son los rumores, que se van propagando, propagando, y al momento siguiente estas haciendo pop/synth wave donde predomina la melodía sin comértelo ni bebértelo.
Y entonces tanto los amantes de los sonidos armónicos como los buscadores yo-los-conocí-primero de unos nuevos Family corrieron a escucharlos y, claro, salieron espantados después de los primeros compases de Bucle. Alguno aguantó, según cuentan, hasta esos gritos de ¡siempre! ¡siempre!, enterrados por una nota inmisericorde, casi al final de la canción. Pero ni unos ni otros volvieron nunca más a querer saber de ellos, y los apartaron y olvidaron.
Y así QATEM, después de acaparar páginas y portadas con su llegada a la ciudad, cayeron en el olvido. Ellos que manejaban una caja de ritmos que parecía funcionar con engranajes y válvulas, tanto que uno solo puede imaginársela echando humo mientras percute ritmos industriales, ellos que cubrían los ritmos antes señalados con sintetizadores sedados e insistentes en un primerísimo plano. Ellos que dejaban la mayoría de las veces la dulce voz, cuando cantaba ella, no tanto cuando lo hace él. allá lejos, asomando como pudiese de su pozo de sonido, apenas volvieron a dar señales de vida.
Ellos que eran incómodos, peligrosos, sucios, ruidosos e incluso agresivos por momentos, fueron solo durante un día la ilusión del pop, pero nos dejaron esta cinta con la que se convertirán para siempre en la obsesión de los enamorados del ruido amigo, menudo festín es Croma, de los amantes de las alucinaciones febriles, de los adoradores de la repetición y de los apasionados de los sonidos crudos de corazón tierno.
Feliz San Valentín, quieran a todo el mundo.
Ellos no lo ponen en la cinta, pero por ahí escuché que eran Néstor y Virginia.



martes, 9 de diciembre de 2014

Non Plus Ultra 1980-1987 (Domestica Records 2012)

Siempre existieron otros mundos en este, otra cosa es que no nos diésemos cuenta o que no le hiciésemos el caso que merecían. Y los ochenta en este país no sólo fueron la movida y sus posteriores estertores, aunque eso lo sabemos todos. Por poco que se rasque es fácil toparse con la inmensa corriente de riesgo y electrónica experimental que recorrió (y recorre) las catacumbas de este país, a la que dieron visibilidad sellos como Auxilio De Cientos, Discos Esplendor Geometrico o el casetero Ortega Y Cassette, por nombrar unos cuantos, además de todas las referencias que se distribuían a través de aquella red internacional de intercambio de cassettes.
Mayor amplitud tienen las miras de Doméstica, que en este primer recopilatorio dedicado a la escena nacional, y que subtitulan Tecno Vanguardia Española, abarcan desde proyectos consagrados como Aviador Dro, indagando, eso si, en una de sus grabaciones menos difundidas, la cassette Intonarumore, hasta otros que casi no salieron del ámbito estrictamente doméstico, como Fernando Gallego, pasando por corredores de fondo como Van Cyborg, en activo desde 1975.
En lo musical hay de todo un poco, que va desde la imposible canción del verano de Todo Todo, que los hermana con los Minuit Polonia de Ibiza Underground, a los ritmos agresivos y con mordiente de U.H.P. con su música maquinista proletaria, M.A.D. (Mutual Assured Destruction) y Kalashnikoff. Agresividad a los que los mencionados Fernando Gallego añaden buenas dosis de locura en Almuerzo Desnudo.
También está Clockwork Mirror de Autoplex, que uno no entiende como no se convirtió en un hit de la época. Ya lo hubiesen querido Azul Y Negro para su Suspense, o la Vuelta Ciclista para su cabecera. También es un hit Actos De Maldad de Van Cyborg. Y luego están las sorpresas de La Isla De Las Sirenas de Línea Vienesa, e Insecticidios de La Caída De La Casa Usher, con la colaboración de Javier Corcobado a la voz. Descúbranlas ustedes.
Así queda este Non Plus Ultra como una maravillosa reivindicación de bandas y sonidos que pasaron en su mayoría injustamente desapercibidos, cuando no fueron descalificados y vilipendiados por los entendidos del momento, como señala Frans Beltrán de Autoplex, en un texto cargado de razón.
Para colmo, la edición es de lujo, abundante en información, con muchos folios de colores que funcionan como inserts, en los que los propios participantes cuentan algo de su historia, y portada serigrafiada a mano. Además existía la opción de hacerte con una de las 100 copias que incorporaban un DVD de Autoplex de título Clockwork Mirror (Historia Visual).
Pues bueno, más o menos fue así, hace casi tres años, la presentación en sociedad de Domestica y si a estas alturas alguien no conoce el trabajo que están haciendo desde este sello, alla él.



domingo, 9 de noviembre de 2014

Aviador Dro - La Voz De La Ciencia ([PIAS] Spain 2012)

Algunos de los más recientes premios Nóbel en Física, Química y Fisiología o Medicina se han otorgado por cosas como el descubrimiento del mecanismo de la ruptura espontánea de simetría electrodébil en la fisica subatómica, o por las reacciones de acoplamiento cruzado catalizadas por paladio en síntesis orgánica, o por los descubrimientos de células que constituyen un sistema de posicionamiento en el cerebro.
Conceptos que se escapan a la mayoría de los mortales, pero que sin duda influirán y serán la base del futuro día a día de la humanidad. Siempre ha sido así, y Aviador Dro lo sabe desde el principio de su andadura.
Pioneros en casi todos, sin tener que demostrar nada, no es ahora el momento de glosar todos sus méritos, en 2012 vio la luz esta Voz De La Ciencia, arduo trabajo de varios años, y enorme proyecto de música aumentada. Ciencia y música andando de la mano, derribando barreras, tirando abajo puertas y creando espacios de reflexión e interconexión.
Lo que tenemos entre manos es un libraco repleto de textos de divulgación científica, aunque algunos a día de hoy suenen más cercanos a la ciencia-ficción que a un futuro próximo, como son los planes de terrificación (mecanismos para crear atmósferas similares a la de La Tierra) para algunos planetas o satélites de nuestro sistema solar, y un CD con 13 retos científicos bailables, como dicen ellos mismos.
Aunque son perros viejos y todos sus trabajos han bebido de la ciencia, ficción o no, aquí redoblan su apuesta y cantan de manera rigurosa al Bosón de Higgs, a los ordenadores cuánticos, al Homo Sapiens 3.0 y a otros temas nada habituales en el pop. Y lo hacen como llevan haciéndolo todos estos años, con su tecno pop marca de la casa, entre la oscuridad con voces tratadas, de Bosón De Higgs, y la muy accesible y casi naif, Aqua. No faltan su proclama hablada, Homo Sapiens 3.0, y su faceta más belicosa cuando tienen claro al enemigo involucionista, en esta ocasión apuntando a los educadores y sus clases de tiza y pizarra en Disrupción Tecnológica En La Educación.
Sea como sea, abundan los estribillos adhesivos, alucinante caso el de Simbionte que dice así "Genómica, Transcriptómica / Postgenómica, Metagenómica / Fluxómica, Metabolónica / Postgenómica, Metagenómica". Y aunque preconizan la razón sobre los sentimientos, sabemos que nunca han renunciado al amor, presente aquí en la bonita Tiempo De Amar.
Aunque yo siempre he sido más del viejo eslogan, "Es hora ya de la anarquía eléctrica", el "Ciencia Frente A La Ignorancia" de ahora también me satisface. La curiosidad sigue siendo el motor.
En esta ocasión Aviador Dro fueron Servando Carballar (Biovac N), Marta Cervera (Arcoiris), Ismael Contreras (AT-AT), Mario Gil (Genocyder F-15) y Alejandro Sacristan (CT-102).



viernes, 27 de junio de 2014

Síctor Valdaña And The Check This Outs - Síctor Valdaña And The CheckThis Outs (Boston Pizza Records 2012)

Fue esta cinta la que me hizo conocer a Boston Pizza Records. Aparecía en alguna lista de las mejores maquetas editadas no recuerdo si en el primer semestre del año, si durante la cuaresma, o si eran las mejores previas al día de la madre. La cosa fue que me hizo bastante gracia el nombre del grupo, lo de intercambiar las primeras letras del nombre y apellido, eso me pareció a mi a primera vista, va bastante con mi sentido del humor.
También me sonreí al comprobar que lo que esperaba que fuese una numerosa banda acorde con el nombre que usan, se reducía a una voz y una guitarra, sospeché que ambas manejadas por una única persona, el tal Síctor. No hay créditos en la cinta que avalen esta teoría, pero creo que es así.
Lo demás, es decir la música, las canciones, ya no es de risa, sino de urgencia, de soledad, de colocón, de echar para fuera sentimientos para limpiar las entrañas. Dentro de esta cassette blanca, carcasa azul turquesa, tenemos 15 canciones mínimas, solo Shiiiiiiet rebasa el minuto y medio, con raíces, un poco torcidas, en el folk rock americano. A partir de ahí, las hay con alma punk y las hay que ocultan su corazón de joya pop, las hay que se arrastran como un lamento y las hay que lucen orgullosas su chulería, pero todas están envueltas en un sonido que podría asemejarse al que salía de uno de esos aparatos de radio gigantescos de hace muchos años, y todas están masticadas por una voz arenosa y magullada que parece cargada de experiencia, mucho whisky y, a veces, cansancio.
Una cinta que me gusta bastante, pero que pierde en comparación con Old Fashioned, el enorme single que sacaron el año pasado, en el que recuperan algunas de las canciones que aparecen aquí, a las que añaden otras nuevas, y en el que todas salen beneficiadas de que The Check This Outs hayan dejado de ser una banda fantasma para materializarse en una bajista y un batería.
La cinta incluye mini pegatina con el mismo dibujo que la portada y las letras de todas las canciones en una de esas bonitas carátulas desplegables, pero ya está más que agotada. A ver si te va a pasar lo mismo con el single.



miércoles, 14 de mayo de 2014

Nitch - Nitch (Boston Pizza Records 2012)

Los noventa. Andaba yo recién ingresado en la militancia indie, y vinieron los Nirvana a ponerlo todos patas arriba. Había que decantarse, y yo al principio fui del sí. Recuerdo escuchar Smell Like Teen Spirit en Radio 3, que según decía el locutor era una canción que lo estaba petando en las radios universitarias norteamericanas. La explosión era inminente, y desde que ocurrió, me tuve que hacer del no. Había gente que se vestía como Kurt Cobain, las camisetas de Nirvana poblaban las noches allá donde fueres y claro, yo no quería ser uno de esos. Esto hizo que no le hiciese caso a nada que viniese acompañado de la etiqueta grunge. Me dejaban discos de Pearl Jam, Alice In Chain, Soundgarden o Mudhoney y después de unos días los devolvía sin escucharlos y diciendo que eran una mierda, que los que molaban eran Sonic Youth, Pixies y Surfin' Bichos. Ahora me queda lastimita de no haberlos escuchado.
Y ustedes dirán que a qué viene todo esto, y viene porque Nitch usa las etiquetas 90s y grunge en su bandcamp. Yo, que no sé todavía muy bien lo que es el grunge, lo único que les puedo decir es que esta cinta, la octava referencia de Boston Pizza Records, contiene cuatro canciones que comparten electricidad, pasajes de ruido y calma, cierta épica y un punto de angustia o desesperación, aunque también unos bajos bien marcados a la vez que huyen de, o no encuentran, estribillos fáciles.
Este fue su debut oficial, que a pesar de alargarse hasta los 20 minutos, deja con la sensación de que la banda no ha mostrado todas sus cartas, quizás por detalles como el final de At The Gates, o porque el último tema, Klaatu, es el que por momentos parece que transita vías distintas.
La cinta no dice nada, pero Nitch son un trío formado por Helio, Víctor y Bruno. Buena portada, obra de Pablo Vázquez, y letras incluidas no aptas para miopes.
Escuchen una canción y si les gusta, sepan que después de esto ha venido un precioso 10" de título JC/29 y que acaban de estrenar cuatro canciones que han reunido bajo el nombre de 'ATWA'EP.

miércoles, 30 de abril de 2014

Sector De Agitadas - La Cámara Subjetiva (Discos Calabaza / The SoapClub 2012)

Primero de los dos 10" que dejó esta banda como testimonio grabado de su existencia. Estreno de Discos Calabaza y tercera referencia de The Soap Club. El nombre del grupo y el comienzo sinuoso del primer tema, La Mujer Pantera, hace que venga a la cabeza de inmediato Ciudad Jardin, aunque si atendemos al título de esta canción y al del disco, La Cámara Subjetiva, también es ineludible pensar en Jacques Tourneur.
A la vista del disco completo, seguramente esta segunda asociación es más acertada que la primera. Por ahí he visto que describen el cine de Tourneur como un cine de sombras, de dudas, de presagios, y creo que estas mismas palabras sirven para delinear el pop de Sector De Agitadas.
También, si quieren, podemos decir que esto es pop de serie B, las primeras escuchas del disco causan cierta extrañeza. Recuerdo que la primera sensación que me dio fue la de que estaban sonando muchas cosas a la vez, aunque claro, al fin y al cabo son cinco personas las que están aquí tocando. Además hay detalles poco convencionales, como ese agudo que recorre La Piel Que Brilla, o la letra de El Último Intento, con menciones a la fe y al Eterno. A esto hay que sumar títulos de canciones como Espejismo Superior o Aplicado A Iluminadas, esta con un ritmo que me hace pensar en Láser de El Aviador Dro, que tienen algo de anormalidad y de misterio. En cambio, es cierto que la canción que abre el disco, La Mujer Pantera, es una auténtica diana, la más inmediata del lote.
Para el disfrute total solo te queda familiarizarte con el resto del disco, lo que requiere un esfuerzo en forma de sucesivas escuchas, que se ve absolutamente recompensado. Las canciones van creciendo, destapando sus virtudes, gustando más, y encima consiguen que perdure sobre ellas un halo de atractivo suspense.
Solo me queda decir que la portada de Israel Páez es bien bonita y que en este disco Sector De Agitadas fueron Juanma Sánchez, Bittor Agitado, Miguel G. Paúl, Ahmed Moussa y Jesús Fernández. Algunos de ellos están ahora embarcados en Perapertú.



sábado, 19 de abril de 2014

Sundae / Evripidis And His Tragedies / Zona Negativa / Dënver - Split (Federación De Universos Pop / Snap! Clap! Recs. / Discos De Paseo / Discos De Kirlian 2012)

Me enteré que existía el Record Store Day hace dos años por culpa de este disco. Me hizo bastante gracia que El Día De Las Tiendas De Discos coincidiera con mi cumpleaños, y de alguna manera me sentí aliviado, no podía eludir mi destino, nací para comprar y escuchar discos. Boberías aparte, creo que fue el primer año que la iniciativa tuvo repercusión en nuestro pais, la primera vez que alguien se decidía a editar algo para conmemorarlo, y tuvieron que ser cuatro sellos los que aunaron esfuerzos para editar este single. Cuatro grupos que representan a cada una de las escuderías, cuatro portadas diferentes y cuatro formas de hacer pop.
Evripidis And His Tragedies se marcan un tema lustroso que bebe del pop primigenio actualizado vía los ochenta con alma de auténtico hit de radiofórmula.
Sundae tiene los versos más bonitos y certeros del disco, los más emocionantes, los que mejor describen las tonterías que se decían con el corazón cuando uno era joven.
Dënver aportan delicado pop melancólico que combina bases electrónicas, elementos orgánicos y voces oníricas que susurran. Dream-pop lo llaman, ¿no?
Zona Negativa entregan un pedacito de electro pop chispeante, contagioso en el estribillo y efervescente en el resultado, alegre y urgente, aunque hable de despedidas.
Incluye un breve texto interior escrito por César, que no sé muy bien quién es en toda esta historia, enumerando algunos recuerdos de momentos pasados en tiendas de discos.

jueves, 10 de abril de 2014

Tucán - Tucán (Boston Pizza Records 2012)

Ahora, en esto de la música, todo va muy rápido, todos los días hay explosiones de las que en cuestión de meses el agujero negro que se lo traga todo no deja el más mínimo recuerdo. En casa luchamos contra eso y en nuestros recurrentes viajes al pasado, el debut de Tucán, editado en 2012 por Boston Pizza Records, es una parada frecuente. Ese mismo año, poco después, vendría su LP completo, de título Empatitis. Y si 2012 fue el año del Tucán, ahora, dos años después, me pregunto cuanta gente los escuchará.
Esta cinta amarilla son 10 minutos repartidos entre cuatro canciones y un exabrupto, que nunca sientan mal. Al darle al play, después del relincho de un caballo, comienza Trueno Puma Halcón, que es un atropello a la razón, o al menos a la compostura. Imposible escuchar esto y quedarse quieto. El título siempre me recuerda a Unicornia Pequeño Las Vegas, nombre del único disco de Jackson Milicia y grupo del que proviene al menos uno de los componentes del grupo. Otro de esos grandes discos con sus dos minutos de gloria y una vida de olvido. Pero seguimos, el segundo tema, Tocayo, es el puñetazo en la mesa, con un estribillo desquiciado que no se olvida con facilidad. De hecho fue el único tema de esta cinta repescado para su posterior LP. Treinta segundos frenéticos y espasmódicos para El Terrible Y Terrorífico Ataque De Los Ramphástidos Mutantes y toca dar la vuelta.
Encuentra un poco más de espacio el sintetizador, o lo que sea que usen, en  la cara B, tanto Olga Viza como Psicodrama dan algún momento de respiro entre tanto ritmo y ajetreo nervioso, uno lo necesita antes de enfrentarse a la apabullante conclusión. Antológica, para morir en la pista de baile con el corazón saliéndote por la boca.    
Relincho de caballo y fin.
Según los créditos, Tucán fueron en este disco Machete, Trampolino y Tarántulas. Esperemos que ellos no se hayan olvidado de ellos mismos y que volvamos a tener otro año del Tucán.

martes, 8 de abril de 2014

El disco del mes de marzo. Anari - Bidea Eta Denbora (bIDEhUTS 2013) / Fee Reega - Salvajada. Tour Edition (Pauken Grabaciones Y Conspiraciones / Woodland Recordings 2012)


No nos vamos a andar por las ramas, puede que este sea el mes que más claro he tenido cuáles son los disco que más me han gustado de los que han aparecido por casa. Han sido dos, estos dos. Bidea Eta Denbora de Anari y Salvajada de Fee Reega.

El primer contacto que tuve con Anari fue en 1999, en un recopilatorio editado por RDL dedicado a Esan Ozenki y Gora Herriak se colaba Galderak 1. Aquella canción era luz y bálsamo, pero también fuerza, entre todos aquellos sonidos de lucha. Así que en cuanto pude me compré Anari, su primer disco, que ya llevaba un par de años en la calle. Después llegaron Habiak, que simplemente es uno de mis discos favoritos de la vida, y Zebra. A estas alturas, hace seguramente más de 10 años, y con internet ya en todas las casas, un día me interesé por sus letras, que era capaz de sentir pero de las que apenas entendía unas palabras. Recuerdo que iba quedando impresionado, descubriendo poesía, poniendo palabras a la emoción que me transmitían aquellas canciones. Y de todo aquello, una frase quedó grabada en mi cabeza para siempre. "Amantes que morían por falta de sed, que no de agua". Hoy la he estado buscando, a ver de qué canción era, y no la he encontrado. Lo más parecido que hay en sus letras es "deshidratados por falta de sed, que no de agua". Los amantes no existen, me los inventé yo, o más bien, era yo, y el final de una relación que se moría por falta de deseo.
Y así de mías seguí sintiendo sus canciones, acudiendo a cada una de las nuevas citas con su discografía, no siempre puntualmente, su EP en directo lo encontré un poco de casualidad, cuando ya estaba agotado, y nunca fielmente. Cinco discos en 17 años nos pone difícil lo de la fidelidad. Pero también es verdad que cada vez que aparece, por unos días, sólo tenemos ojos para Anari, soledad plural, como ella misma dice. Y en esta ocasión, con Bidea Eta Denbora, disco en directo grabado en el Teatro Victoria Eugenia, no solo nos ha emocionado como de costumbre, sino que nos ha servido de celebración, de reencuentro con canciones que hacía demasiado tiempo que no oía.
Creo que recoge temas de todos sus trabajos anteriores, pero no me he parado a comprobarlo, sobran los datos técnicos, solo hay espacio para los sentimientos y el deleite. Disco gigante, y banda gigante, que en esta ocasión formaron la propia Anari junto con Drake, Mikel, Borja, Mariano, Maite y Txap.
Sólo una pega, ¿porqué tengo que esperar tanto para escuchar el track oculto?


Fee Reega, todavía dudo si lo escribo bien. Así de novato soy en lo que a Fee y su mundo se refiere, que es bien amplio. En activo, al menos, desde 2009 cuenta con seis discos a su nombre y participaciones en varios recopilatorios. En este año verá la luz su nuevo trabajo, el primero en vinilo, que llevará por titulo La Raptora. Pero vamos a por Salvajada, que originalmente conoció una edición en triple CD, bajo la denominación de Salvajada / Savagery / Wildheit, en la que las mismas canciones aparecían en español, alemán e inglés. La copia que yo tengo, con los temas solo en castellano, me la regaló un amigo y debe ser uno de los mejores regalos que me han hecho. Preciosa edición, 50 copias bajo el lema de Tour Edition, en sobre de cartón.
El hombre que fuma heroína me quiere conocer, dice Fee como asustada y con cierto aire ingenuo, pero también inquieta y excitada, sabiéndose especial, en la primera canción. Y yo, desde el principio quedo con los ojos y los oídos atentos, para que esa araña no me vuelva a morder, y asisto asombrado a las historias que me va contando. Historias que son verdad, ¡que cierto es para alguien que de niño recorría el interior de la Capitanía General del Ejército y sólo encontraba bares eso de "hay mucha sed en el casino militar"!.
Y Fee va haciendo que su voz tiemble, o la estira deformando un poco las palabras, haciéndome dudar por un instante qué es lo que ha dicho, hasta que la frase completa me lo desvela, y ese instante es magia y es captura de todos mis sentidos.
Y ella, que nació en Alemania, con su voz, con su pronunciación (esas erres tan personales, incluso inventadas en algún caso) tiene todo el encanto y causa toda la extrañeza que los amantes del pop encuentran en Jeanette y mis padres en Nana Mouskouri. Pero a Fee nadie la dirige, ella canta lo que quiere, con sus nieblas, con sus amores, con la brutalidad de quien, igual aquí me equivoco, al no dominar el idioma no subordina ni adorna lo que quiere decir, sino que lo plantifica de manera clara. Es un acierto. Oler el pijama de quien duerme a tu lado es oler el pijama, y no hace falta más, y cada uno sabe a lo que huele.
Y aunque nadie la dirige, sí sabe acompañarse, en este disco contó con Pablo G. Díaz, Fernando Epelde, Jesús Colino y Pablo Luis Pravia.



miércoles, 5 de marzo de 2014

Roughuh - Defeat Of The Will (For Noise's Sake 2012)

Mira por donde últimamente ando algo despistado, busco en la nevera las medicinas de los niños, tiro el cenicero a la basura, voy a comprar sin dinero o dejo las llaves puestas en la puerta al entrar en casa, ¿dónde habré metido el mechero? Nada preocupante, ligeros descuidos que tienen fácil solución, mi cabeza que anda pensando en muchas cosas a la vez. La sensación de tener un ruido ahí dentro metido continuamente, que no para, incluso cuando duermo. Como una especie de interferencia mental a todas horas que me impide actuar con la claridad que solía. Como si un vendaval asolara mi cerebro, y los objetos arrasados golpeasen mis neuronas. Como si mi mente sintonizase la SW de aquella vieja radio que había en casa de mis padres. En algunas ocasiones me parece oír voces, gritos que piden auxilio, que piden clemencia, aunque a lo mejor es otra parte de mi subconsciente que quiere que esto pare, que el ruido tenga fin. Y otras es como un martilleo, como un bombardeo en los cimientos de mi cordura. Cuando menos, se convierte en algo borroso, rugoso, difuso y denso, que elimina toda agilidad de pensamientos y los hace enrevesados y desagradables. Creo que no es nada grave, igual es que estoy escuchando demasiado esta tremenda cinta de Roughuh, cuatro temas de ruido mental.
Seguro que sí, que Roughuh tiene la culpa, es por eso que no han puesto créditos ni nada de información en la que creo que es su única edición, no querrán reclamaciones.

martes, 18 de febrero de 2014

Asperorers - Nada Donde Agarrarse (For Noise's Sake 2012)

Mira por donde, esta es la única grabación que a día de hoy ha aparecido a nombre de Asperorers. Se editó en 2012, aunque los únicos créditos que trae la cinta dicen que lo que aquí suena fue grabado en directo el 25 de noviembre de 2010. Así que casi un año y medio tardaron en ver la luz tres de los cuatro temas que ocupan esta cinta, puesto que Nada Significa Pienso ya fue incluido en el recopilatorio Madrid Es Ruido de 2011.
El otro dato que se da es que la grabación fue en La Base FNS, y a uno le vienen a la cabeza varias preguntas, ¿cuántas horas de grabaciones ahí acontecidas permanecerán todavía inéditas y cuántas lo estarán siempre?. A la vez que uno se puede imaginar el centro de operaciones de For Noise's Sake como un lugar repleto de cables y aparatos para generar ruidos, además de algunos instrumentos tradicionales, aunque sean usados de la manera menos tradicional y otros inventados por ellos.
Entre la maraña de ruido desquiciado que recogen estas grabaciones, el único sonido del que me atrevo a afirmar su origen es el de una batería, que se hace del todo audible cuando ataca los platillos, pero que si afinamos el oído, está ahí presente en toda la grabación. Así, un ritmo desquiciado y subterráneo recorre las tripas de los borbotones de ruido que cubren los 25 minutos de esta cinta. Y se convierte en elemento importante al conseguir profundidad en el sonido y una cierta extrañeza debido al contraste entre los disparatados patrones rítmicos y el caos ruidista, que hace esta escucha treméndamente disfrutable. Añaden voces malformadas en Entiendo Tu Mobiliario, se ponen absolutamente estridentes en el comienzo de Nada Donde Agarrarse, el tema que da título al trabajo, y cacofónicos en Incendios De Calor Frio.
Por supuesto, ni una pista sobre las personas que han perpetrado esto, así que solo queda disfrutar del ruido amiguitos.

miércoles, 29 de enero de 2014

Vacilo The Cock Vs. Gyakusatsu (Mattoid Records 2012)

Mira por donde, uno de los sellos baluarte del ruido en este país, Mattoid Records, puso en circulación esta cinta hace ya un par de años. Por la cara A está lo que creo que fue el estreno de Vacilo The Cock, proyecto de corta vida que murió para dejar paso a Catatonic State. En la cara B tenemos a Gyakusatsu, en activo desde 2010 y con unas cuantas referencias a su nombre. El pasado 2013 parece que se tomó un descanso, en cuanto a ediciones se refiere, y no sé qué hará este.
Lo que hay en esta cinta es puro ruido, sin paliativos, ni voces tratadas, ni un jodido sonido reconocible, ni mínimamente familiar al que agarrarte. Los títulos de las piezas tampoco dan muchas pistas, o sí. Vacilo The Cock rompe el silencio con Matador De Reses Bravas Y Cucarachas A Traición. A partir de una masa de ruido en continua mutación, va clavando frecuencias agudas cual agujas a un muñeco vudú y lo redondea con algo que se me ocurre llamar oscilaciones sónicas. Punzante y agónico.
Gyakusatsu hace lo propio con Schizophrenia 5 (In Memorian). Parece que comienza arrancando su máquina de hacer ruido, y si ya es sufrido escuchar su motor, cuando está a pleno rendimiento, la cosa pasa a mayores. No hay la más mínima inflexión, ni cambios de frecuencias, solo un muro de ruido brutal, suavizado por lo que parece un huracán clavado en tu tímpano. Compacto y agónico.
Y así tenemos quince minutos de desamparo y soledad, de evasión y pérdida de contacto con cualquier realidad. Quince minutos en los que casi no caben los pensamientos. Quince minutos de estancia en un páramo terrible y desolador, sobre todo para tus orejas. La terapia que necesitas.
Aunque no se trata de proyectos de índole secreta, no dicen nada los créditos de esta cinta sobre los individuos que andan detrás de cada uno de estos atentados, así que este no es el momento de desvelarlo.
Y sí, eso que ves en la foto es una pluma, viene incluida en la edición.



viernes, 24 de enero de 2014

††† - Doctrina Triangular (Demonodrome 2012)

Raúl reflexionando sobre la doctrina
Foto: Aitor Saavedra
Hoy tenemos con nosotros a Raúl Q. de Orte. Que un músico del que me gusta mucho su trabajo se pase por el blog y colabore con nosotros siempre es un placer. Raúl es Paralelo o Paralelo es Raúl. Hace unos días anunciaba que se cumplían dos años desde su primera referencia, Fig. 1. En estos dos años han ido viendo la luz sus siguientes trabajos, que van numerados. A finales de 2013 vio la luz Fig. 6. Sus seis figuras han sido editadas en dos cintas, de 3 en 3. Yo lo conocí a raíz de su participación en el recopilatorio Conjuntø Vacíø y ya fui indagando.
Si ustedes rebuscan por aquí verán que últimamente Paralelo ha aparecido unas cuantas veces por esta casa. Así que ahora es el momento de hablar un poquito de otros asuntos que lo han mantenido ocupado últimamente. Raúl estuvo en Take The Risk y Age Of Empires, bandas de las que no he encontrado ninguna información. También militó en Heads And Heads, que dejaron un bonito LP grabado por una sola cara y un par de referencias compartidas. Estuvo detrás de la batería en los añorados Naturalesa Salvatge, con los que editó Una Llum Infinita y Ultramar, a la par que estrenaba proyecto en solitario con el nombre de Entre El Centeno, del que hay disponibles un par de temas. También anda metido en un combo que se hace llamar Merda y parece ser que desde hace un par de conciertos ha pasado a formar parte de los geniales Wind Atlas. De todos estos grupos puedes buscar sus bandcamp's y echar una tarde muy bien acompañado.
Cuando lo invité a participar, me manifestó que le apetecía hacerlo de alguno de los dos proyectos que más interés le despertaban en la actualidad, ††† o Albufera. Como esto va de reseñar discos y Albufera por ahora solo ha publicado un single de dos canciones, que aprovecho para recomendarles encarecidamente, finalmente la balanza cayó del lado de los primeros. Así que vamos a por la Doctrina Triangular de †††.

Raúl dice:
Tres Cruces son una de mis joyas más favoritas. Posiblemente la más alta joya de una corona que me hace sangrar, estremecer e introducirme en una contemplación sin igual. Lóbrego, palpitante. Cuando escuché por primer vez Tres Cruces quedó grabado muy dentro.
Hubo una temporada que llegué a obsesionarme y en noches de vino escuchaba el Doctrina Triangular una y otra vez. Se convirtió en mi Jesusito-de-mi-vida, y sin el calor de mi madre pero sí con el del vino, oraba antes de dormir.
No quiero centrarme en ningún tema en concreto. Todos y cada uno de ellos son una caricia fantasmal; la representación de una muerte tierna, melancólica, imparable, que te coge de la mano y tú, indefenso, te dejas acompañar.
La primera vez que los vi fue en Luchador Records (RIP) y nunca lo olvidaré, me las sabía todas y cantaba sin emitir sonido alguno. Cuando acabó el concierto fui a Víctor y le compré la cinta; una de las mejores cosas que tengo entre cassettes y discos.
Simbolismo, numerología, punk, esoterísmo, rabia, misticismo, actitud. Para mí, sin dudarlo, una de las mejores bandas que existen hoy en día. Su coherencia entre sonido, letra y concepto y la autenticidad que tienen son únicas. Tres Cruces son la nínfula ladina y maligna del panorama musical.
Y lo que está por llegar...

Alfredo dice:
Mira por donde, conseguí esta cinta casi de casualidad. La primera vez que oí hablar de ††† fue a través de Musagre. El sello alicantino anunciaba una posible edición del grupo, y encontrarme con un grupo que emplea las tres cruces como nombre fue como si me aplicaran un fierro quemador en el cerebro, ya quedé marcado para siempre. Y a la espera estaba, hasta que entré en contacto con el sello Demonodrome y vi con estupor que ††† ya tenían un trabajo editado, Doctrina Triángular, y que estaba agotado.
Tuve la suerte que desde la propia discográfica rescataron una copia que me vendieron, cosa por la que les estaré eternamente agradecido. Aunque viniese acompañada de extrañas instrucciones, "apaga la luz, cierra los ojos, acuéstate debajo de la cama y disfruta" o algo así. Tenerla entre las manos fue una suerte, pero escucharla es mucho más que eso. Musicalmente las canciones son incontestables, bastante accesibles, no hay que tener los oídos entrenados para ver la belleza desde el comienzo de la cinta, aunque la instrumentación no sea la más habitual, ritmos programados y guitarras acústicas, alguna campana, percusión y seguro que algún cacharro más.
Y luego está lo que las hace únicas, la interpretación vocal y las historias que cuentan. Veintitrés Leones Dorados Custodian Nuestro Templo, la primera canción y la primera frase que se escucha al poner la cinta. Así comienza la inmersión en la Doctrina Triangular, en un mundo de muerte y batallas que quien vio nunca podrá olvidar, de hombres ardiendo, de encuentros espectrales en noches sin estrellas, de sonidos y palabras crucificadas, de seres que presencian su propio funeral. Cinco historias que son misterios, que cada uno debe descifrar o reconocer en su mísera cotidianidad. Historias narradas con voz grave, profunda, en ocasiones casi de ultratumba. Cinco canciones de las que me es imposible elegir favoritas, cinco canciones que conforman algo más que un disco, una axiomática, la axiomática del triángulo, la axiomática de la perfección.
Y todo esto envuelto en un sonido denso, opaco, opresivo, que refuerza la sensación de asistir a un culto secreto, el culto a la Doctrina Triangular, el culto a †††. Quien entra ya no sale.
En esta ocasión ††† fueron V.·., E.·. y M.·.

Raúl quiere que escuches Cuando En La Noche Se Ocultan Las Estrellas.

Alfredo quiere que escuches Veintitrés Leones Dorados Custodian Nuestro Templo.

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Mubles / Grassa Dato - Oh Pequeño Muble / Los Que Habitan En La Oscuridad (Truco Espárrago 2012)

Mira por donde, la cara de esta cinta que ocupan Mubles con su tema Oh Pequeño Muble termina con la frase "quisiste mierda y te di mis heces", y no se me ocurre mejor resumen para los 20 minutos previos. Veinte minutos de hedor sonoro, de viaje por el desagüe, de estancia en una fosa séptica, de ecos agonizantes, de podredumbre insalubre. Un sonido que Mubles va moldeando como si de un Golem de excrementos se tratase, llegando a un interesante caos sónico hacia la mitad del trance. Todo es tan físico aquí que cuesta quitarse la sensación de haberse revolcado en la mierda después de escucharlo. De eso se encargará después Grassa Dato. Mención aparte para las voces que van desgranando frases, donde la más bonita es la que mencionamos al principio. Y es que una vez metido en este mundo, hasta cosas tan neutras como "cosas blancas que caen, cosas negras que caen..." hacen que tu imaginación te juegue malas pasadas.
Por su cara, Grassa Dato presenta Los Que Habitan En La Oscuridad, pieza en la que parece que su ruido comienza deformado bajo la capa de excrecencia que nos dejaron los Mubles. Suena oscuro, hueco, oscilante, para ir poco a poco abriéndose paso, ganado terreno, dejando ver las aristas y distanciándose de las nubes de gases tóxicos. A los cinco minutos los chirridos te anuncian que el ataque es inminente, que el ruido ya camina solo, liberado de la capa de detritus que hacía de aislante. Y a partir de ahí, la violencia se va erigiendo libre protagonista. Ruido que parece generarse en el propio proceso de limpieza, lleno de fruición, de fuerza decapante, que se mezcla con voces deformadas, con los motores de las máquinas empleadas y con el sufrimiento agudo de sus piezas en extrema tensión.
En pocas palabras, esto es como ir a un spa donde el baño no es precisamente de barro y la limpieza posterior viene con desollado incluido. Y no duden que hay gente a la que este tratamiento le encanta. Además, el artwork de la cinta, a cargo del propio Grassa Dato, es un pequeño lujo.
Mubles son aquí Miguel Ángel de Blas, Miguel A. Garcia, Kakofunk, Alvaro Matilla y Loty Negarti. Y Grassa Dato es Grassa Dato.

martes, 29 de octubre de 2013

Picadillo Genital - La Última Casa Al Final De La Caleya (It Lives InThe Woods Records 2012)

Mira por donde parece que a Picadillo Genital les gusta aprovechar el tiempo. En los siete minutos que hay en cada una de las caras de esta cinta meten tres canciones donde no paran de suceder cosas. Las llenan de samples sacados de películas, de Cuarto Milenio, de lo que parece un programa de radio, y hasta de un noticiero que dice algo así como "800 toneladas de vísceras en avanzado estado de descomposición fueron encontrados..." Por ahí van los tiros. La cara A son las tres canciones que aparecieron en su maqueta autoeditada en 2011, Pro-Morten. Suenan oscuros, con dos voces antagónicas. Crean un ambiente enfermo donde guitarra y batería se pelean a machetazos, salpican sangre y disfrutan haciéndolo. En alguna ocasión el bajo ofrece su mediación. En la cara B otros tres temas de las mismas sesiones de grabación, pero que quedaron fuera de la maqueta. Entre que soy incapaz de distinguir muy bien donde acaba una canción y empieza otra, y que esta cara suena pasadísima de agudos, tenemos, de entrada, que lo que se escupe aquí desolla tus oídos. Las voces dejan paso a los alaridos y la sensación de urgencia, de velocidad, de embestida implacable, feroz, es tal, que la escena final de Tu Madre Se Ha Comido A Mi Perro se convierte en un juego de niños.
Según los créditos, en esta grabación Picadillo Genital fueron Capi y PSK, aunque sé de muy buena tinta que también estuvo Jose Uno al bajo y las mezclas.

miércoles, 25 de septiembre de 2013

Coach Station Reunion - Eli E.P. (Discos De Kirlian 2012)

Mira por donde, nada más ver este single me vino a la cabeza el September E.P. de La Síntesis, que editó Elefant allá por el 92. Inmaculada portada blanca con bonita foto. Aquí tenemos cinco canciones divididas entre la cara E y la cara T (bien me gustan estas cosas, en vez de A y B, como siempre). El disco se abre con I'll Find Out Tomorrow, que es un temazo que intenta no hacer gala de su maravilloso estribillo. Es mi favorita y creo que la única que lo tiene. Junto con Lunch Time's At Six forman la cara E, marcada por un poso de melancolía. En la cara T, que finaliza con una versión de Bob, tres temas de poco más de dos minutos donde la instrumentación gana un poco de luminosidad. Otoño y primavera para la voz de Xavi Rosés, que te arrulla y que permanece igual de sosegada estemos en el equinoccio que estemos. Pop delicado de bastantes quilates, que apuesta por la llovizna que cae día tras día, que te va calando y con la que tiene su encanto vivir, en vez de por el chaparrón que se pega a tu ropa en un instante y que te quitas igualmente rápido de encima para estar preparado para el siguiente.
Coach Station Reunion es el proyecto personal de Xavi Rosés, más conocido por formar parte de Fred I Son, y este fue su single de debut.