domingo, 27 de octubre de 2024

Raíces imaginadas, folclores telúricos

Ya tenemos nuevas canciones en nuestro blog, en esta ocasión ejerce de elemento aglutinador el debut de Maria Arnal I Marcel Bagés. Disco en el que se recuperan y actualizan cuatro canciones de la tradición popular, este debía ser el camino a seguir para la elección de los nueve discos que aquí lo acompañan. Discos que de alguna forma clavan sus raíces en la tradición menos rancia y reivindican el poder de lo antiguo, del pasado más o menos lejano, o que transmiten esa energía atávica que hace fluir, con la fuerza de la honestidad y desde las entrañas de los músicos, el poder de la creación sin corsés y de la canción.
Después de elegidos y ordenados cronológicamente, nuestro viaje ha quedado así. Dele al play y mas abajo le seguimos contando.


Hoy empezamos en Barcelona, donde en 2005 debutaban discográficamente Maria Arnal I Marcel Bagés con estas cuatro canciones a guitarra eléctrica y voz, que rescatadas del acervo popular, y agrupadas bajo el título de Remescles, Acoples I Melismes, vienen cargadas de intensidad y sentimientos. Seguimos nuestro camino acercándonos a Donosti donde en 2008 se editaba Gainsbourg Gainbegiratuz, homenaje al universal músico fruto de un proyecto que comenzó a fraguarse dos años antes, cuando se cumplían quince años de su fallecimiento. Lo que iba a ser un concierto-reunión de apasionados gainsbourianos, que nunca llegó a celebrarse, devino en disco con quince versiones en euskera de obras del francés. Se apuntan ilustres en esta casa como Diego Vasallo, Rafael Berrio, Giorgio Bassmatti, Jone Gabarain, Saioa y Mikel Agirre, y otro puñado de nombres que no conocía. Como casi siempre en estos casos, resultados desiguales y algunos momentos realmente estremecedores, aunque la calidad de los mimbres y la veneración de los intérpretes hacen que el listón no decaiga en ningún momento.
Nos toca quedarnos deambulando por Euskadi un par de años para encontrarnos, en algún lugar indeterminado, con Har Hou y su primer disco de idéntico título. Editado en 2010, estamos ante una de las sorpresas de esta temporada en casa, en el que caben ambient, folk, drone, para crear un ritual ancestral y colectivo que busca la sanacion interior, aunque la expiación sea a través del castigo. Plenos de felicidad, nuestro próximo encuentro es con la murciana Lidia Damunt que en 2014 editaba el cuarto disco a su nombre, Gramola. Como ya se deja entrever en el título, Lidia nos trae, a lo mejor sin darse cuenta, un recorrido por la banda sonora involuntaria de nuestras vidas. Diez versiones que todos hemos escuchado, aún sin querer, en boca de otras, Copla, canción ligera, canción de autora iberoamericana, pop mainstream… todo llevado a ese terreno entre el rock y el pop pantanoso y salvaje que es marca de la casa.
Y hasta Murcia nos toca acercarnos, ya que desde allí operan Crudo Pimento, que en 2015 editaban Mal, Mal, Mal. Descartes #2, y que justamente recoge eso, descartes de su segundo disco oficial, Fania Helvete de ese mismo año. Blues retorcido, vudú, curanderos y folclore que es amalgama de las tradiciones que se mezclaron en el nuevo continente. Si esto es lo que no cabía en el disco oficial… Fania Helvete debe ser de escucha obligada, a ver cuando le echo el guante. Y con estos pensamientos en la cabeza emprendemos rumbo al norte en busca de Niño De Elche, que en 2018 editaba Antología Del Cante Flamenco Heterodoxo. El ilicitano, que el público no aficionado al flamenco podría considerar el nuevo Morente por su acercamiento a la intelligentsia indie pop rock de nuestro pais, nos trae un disco doble, río que recorre pasado, presente y ¿futuro? del flamenco, y que como casi toda su obra no deja a nadie indiferente.
Nos toca, ahora, salir hacia Madrid, ciudad testigo del encuentro entre Javier Colis y Juan Pérez Marina, que bajo el nombre de Sangre Fácil publicaron en 2020 unos 70 minutos de música, seleccionados entre muchas horas de improvisación, en los que fluye de forma natural el acervo personal de estos dos grandes y arriesgados guitarristas, desde la Nueva York de la no wave hasta Baladamenti. Cuanto más lo escucho, más me gusta, pero es hora de dejar la capital para irnos hasta la isla de Gran Canaria, donde reside el majorero Fajardo, que en 2021 ponía en circulación su tercer disco largo, Intuición, que después de varias escuchas hace que me pregunte dónde estará el techo de este hombre que, aferrado a la tierra y sus orígenes, no cesa de nutrirse de experiencias, colaboraciones y proyectos paralelos, para dar un paso de gigante cada vez que saca disco nuevo. Esto es puro sentimiento descarnado, pura energía geotérmica, pero también catártico baño en hermosas playas de jable y rocas.
Y aunque no es nada habitual en esta casa tener que trasladarnos al extranjero, hoy hay que hacerlo, en concreto nos vamos a Toulouse, donde se ubica el colectivo Baraque À Free que aglutina a jóvenes músicos improvisadores de la región. Dos de sus fundadores forman Bretch, que editaban su primer disco de título homónimo en 2022. Ruido, minimalismo, experimentación vocal, melodías tradicionales... en lo que ellos mismos definen como un intento de hacer retroceder la historia de la música hasta sus primeros gestos y alientos. Grata sorpresa para oídos arriesgados. Y para terminar nos acercamos a Málaga para escuchar Vol IV. Poemas Musicalizados De Leopoldo María Panero, Et Alter, disco con el que Trío Mudo finalizaron en 2023 su acto de gratitud a la obra de Leopoldo María Panero, en particular, y a la transgresión del pensamiento a través de la poesía, en general. Con textos de Fernando Merlo, José María Fonollosa, Javier Corcobado y el ya mencionado Panero, la faceta lírica no debe ofrecernos ninguna duda en su capacidad de sobrecoger, pero a esto hay que añadir el sonido crudo, seco y áspero que le imprime el grupo a la mayoría de las adaptaciones, que logra amplificar la sensación de que estas piezas están hechas para arañar tus entrañas.
Terminamos con los créditos de estos 10 discos y los títulos de las canciones que suenan.

01. No He Desitjat Mai Cap Cos Com El Teu de Maria Arnal I Marcel Bagés. Extraída de Remescles, Acoples I Melismes (Enderrock 2005)
María Arnal: Voz.
Marcel Bagés: Guitarra eléctrica.
Grabado y mezclado en Infusiones Musicales (El Masnou) por Jordi C. Corchs.
Producido por María Arnal y Marcel Bagés.
Diseñado y cuidado por Odile Carabantes.

02. Dépression Au-Dessus Du Jardin por Juankar Landa. Extraída de Gainsbourg Gainbegiratuz (Gaztelupeko Hotsak 2008)
Voces: Mikel Agirre, Giorgio Basmmatti, Rafa Berrio, Jorge Carrero, Estanis Elorza, Luisa Etxenike, Jone Gabarain, Gari, Saioa Garin, Santi Gasca, Amaia Intxausti, Juankar Landa, Urko Menaia, Txuma Murugarren, Dego Vasallo, Virginia Pina.
Guitarra eléctrica: Aitor Unanue, Iñaki Huarte, David Soriazu, Enrike Mingo, Borja Iglesias, Patxi Astrozombie, Juankar Landa.
Guitarra acústica: Aitor Unanue.
Guitarra española: Aitor Unanue, Mikel Markez, Diego Vasallo.
Saxo: Agus Mazkiaran.
Acordeón: Joserra Senperena.
Armónica: Javier Sun.
Programaciones, teclados y bajos: Juan Zulaika.
Pintura portada: José Luis Gil.
Diseño gráfico: Estudio Lanzagorta.
Grabado en La Ventana Indiscreta de Donostia entre febrero y noviembre del 2007.

03. Gem de Har Hou. Extraída de Har Hou (Autoeditado 2010)
Fernando Zabala: Guitarras, voces, armonio, loops, glockenspiel, carillón, flauta...
Rodrigo Pérez: Sintetizadores, informática musical.
Iñigo Eguillor: Percusiones, piano.
Producido por Har Hou.
Art work: Fernando Zabala.
Ander Santamaría: Violonchelo.
Roberto Díez: Guitarra con efectos.
Grabado en Las Arenas y Plentzia 2007/09
Dedicado a Josetxo Anitua.

04. Ay Pena Penita Pena de Lidia Damunt. Extraída de Gramola (Tormina Records 2014)
Lidia Damunt: Guitarra acústica, guitarra eléctrica y voz.
Clara Collantes: Guitarra acústica, guitarra eléctrica, melódica, armónica y coros.
Coté Fernández Bravo: Guitarra eléctrica.
Fernando Rodríguez Cruz: Batería.
Grabado en octubre de 2013 en los estudios Grabahey!, Cabo de Gata.
Producido por Lidia Damunt y Coté Fernández Bravo.
Arte: Rafafans.
Foto: María G. de Lamo.

05. Mal, Mal, Mal de Crudo Pimento. Extraída de Mal, Mal, Mal. Descartes #2 (La Mano De Matar 2015)
Grabado y masterizado por Raúl Frutos durante 2014-2015.

06. Recitando De Eugenio Noel de Niño De Elche. Extraída de Antología Del Cante Flamenco Heterodoxo (Sony Music 2018)
Niño de Elche: Voz, guitarra y vocoder.
Raül Refree: Sintetizadores, arreglos electrónicos, percusiones, tambores, piano, espacios sonoros, guitarras, arreglos de trompeta, charangos, vihuela mejicana, clarinete y coros.
Alejandro Rojas-Marcos: Piano, clavicordio y sintetizador.
Xavier De La Salut: Trompetas.
Israel Galván: Gritos y zapateado.
Alicia Acuña: Castañuelas y palmas.
Diego De Morón: Guitarras.
Víctor Martínez: Batería.
Isidoro Vacárcel Medina: Espacio sonoro.
Colaboraciones especiales: María Rosa Beltrán Ramón, Juan De La Rubia, Eduarda De Los Reyes, Israel Galván, Stefan Voglsinger, Diego De Morón, El Junco, Pájaro y Teo Fernández Girona.
Grabado en el Estudio Calamar en Barcelona por Raül Refree.
Producción artística: Raül Refree con la ayuda de Niño De Elche.
Fotografía: Ricardo Cases.
Diseño: Filiep Tacq.

07. Lagartijas De Salón de Javier Colis Y Juan Pérez Marina. Extraída de Sangre Fácil (Discos Belamarh 2020)
Javier Colis – Guitarra, Fender VI, Looper.
Juan Pérez Marina – Guitarra, Fender VI, Looper.
Grabado y mezclado por Miguel Lorenzo en Influx Estudio.
Diseño por Begoña Arostegui.

08. Volcán de Fajardo. Extraída de Intuición (Repetidor, Carabrecol, Naife, Discos Delejos 2021)
José A. Fajardo: Guitarra eléctrica, voz y aporreo de platos.
Manuel Campos: Piano, guitarra eléctrica y teclado.
Rubén Abad: Guitarra acústica con slide, guitarra española, ukelele, guitarra eléctrica y coros.
Elena Vázquez: Violín y coros.
Marcos Padrón: Acordeón y coros.
Jordi Tost: Bajo eléctrico.
Marc Enseñat: Batería y percusiones.
María Navidad: Piano y voz.
Diego Hdez: Lap steel y voz.
Dani Niño: Saxo tenor y saxo barítono.
Toni García: Trompeta.
Jorge Moreno: Trombón.
Rubén Abad, Elena Vázquez y Marcos Padrón son Trilitrate.
Artwork: Rafael Jaramillo.
Fotografía: Marc Enseñat.
Grabado en verano de 2020 por Javier Ortiz en Estudio Brazil, con la asistencia de Marcos Bandera.

09. Bêche de Bretch. Extraída de Bretch (Ex-Nihilo Records 2022)
Sarah Brault - Voz, acordeón diatónico, sintetizador modular.
Ludovic Schmidt - Trompeta, fliscorno, melófono, micrófono, mezclador.
Jean-Christophe Schmidt: grabación sonora, grabada en el estudio Carlamusa en diciembre de 2021.
Clément Sbaffe: mezcla y masterización.
Chloé Lafolie-Joly : fotografías.
Jules Messaud: diseño gráfico.

10. Un Asesino En Las Calles de Trío Mudo. Extraída de Vol IV. Poemas Musicalizados De Leopoldo María Panero, Et Alter (Autoeditado 2023)
Antonio Acién: Guitarra, piano y voz.
Damián Fernández: Batería.
Versos de Leopoldo María Panero, José María Fonollosa, Javier Corcobado y Fernando Merlo.
Javier Arnal: Voz y trompeta.
Julián Sanz Escalona: Roland-VR730.
Javier Blanco: Bidón de 42 galones.
Miguel Muñoz Zurita: Confesión del asesino.
Pavlo Cartaginese: Locución telefónica de despedida.
Grabado y masterizado por Máximo R. Bandera en Hollers Analog Studio (Málaga), 2022.
Mezclas y producción: Máximo R. Bandera y Trío Mudo.
Diseño Gráfico: Manolo Luque.

jueves, 26 de septiembre de 2024

All that's jazz… o algo parecido.


Ya tenemos nuevas canciones en nuestro blog, y en esta ocasión es el disco de Macaronesis el que guía la elección de los otros nueve discos que le hacen compañía, como siempre, escogidos entre las adquisiciones de estos últimos años, con la salvedad de algún rescate de las estanterías más añejas de mi colección.
Así que hoy toca que la lista gire en torno al jazz, música a la que me acerco muchas más veces de casualidad que las que lo hago por convicción o curiosidad, y de la que no tengo ningún tipo de conocimiento además de un desconocimiento absoluto de los grandes del género. También me ha tocado elongar, a un más de lo amplio que es ya de por sí, el término jazz para justificar los diez discos que aquí aparecen, basándome en conceptos asociados a esta música como libertad, improvisación y experimentación.
Una vez ordenados cronológicamente la cosa ha quedado como sigue. Dale al play y te vamos contando.


Abrimos con De Dos En Dos, acreditado a Tomás San Miguel + Jorge Pardo, segunda colaboración entre estos dos gigantes después de la publicación de Vida En Catedrales un par de años antes, aunque ambos ya se habían encontrado a mediados de los setenta cuando se andaba gestando el grupo Dolores. De Dos En Dos discurre suave, intimista, acercándose a la música de cámara y a la paz infinita. De 1995 saltamos a 1997 para enfrentarnos a Eating Flowers, primer disco que publicaban Scorecrackers, que en esta grabación eran Markus Breuss, conocido por ser el alma de los inclasificables Clónicos, y Pedro López, miembro de Zyklus en la primera mitad de la década. Eating Flowers es un disco difícil, duro, lleno de ruidos y sentido del humor, abstracto y que va más allá de los territorios del jazz experimental y el avantgarde que transitaban con sus grupos anteriores.
Nuestro siguiente paso nos lleva a las Islas Canarias en 2001, donde hacemos una doble parada para detenernos primero en Rastro De Un Sueño de Sal Om Free y después, en el único disco del proyecto Macaronesis de idéntico título. Sal Om Free lleva en la brega desde 1995, concebido por su creador, Ricardo Marichal, como una residencia artística impulsada por el actual jazz europeo y la música clásica contemporanea, en la que entran y salen músicos. Rastro De Un Sueño es su primer disco, elegante y nocturno, sereno, con la guitarra y el saxo compartiendo protagonismo, y en el que se agradecen esos momentos en que deciden salirse de la pauta y derrochar energía. Por otro lado, hablar de Macaronesis es hablar de la unión de seis músicos con distintos, y muy amplios, bagajes que llevan media vida merodeando por el folclore, el jazz, el pop y la música clásica, y que aquí se marcan un disco la mar de entretenido, rico en percusiones, que no duda en zarandear y poner en confluencia los caminos anteriormente transitados por cada uno de ellos para llegar a una especie de jazz latino bastante vibrante.
Nuestro siguiente encuentro es con el pianista donostiarra Joserra Senperena, que en 2002 editaba Blues Pasadizoak, segundo disco a su nombre, en el que deambula en formato trío entre el jazz, el blues, la música popular, y que se sale por la tangente del pop sombrío en los tres temas que canta Diego Vasallo. Disco tranquilo, sin alardes innecesarios, que se desarrolla con absoluta naturalidad, como sin pretensiones, y que para mí tiene en esta austeridad y en ese sabor de lo que se cocina con cariño en casa, la carta que lo hace ganador. Y aunque no nos vamos muy lejos, concretamente nos acercamos hasta Zarautz, tenemos que esperar cinco años para encontrarnos con Carcascara, combo formado por tres miembros de Café Teatro, que debutaba ese año con un disco de idéntico nombre. Disco extraño, en el que los acordes de guitarra se amparan en la repetición y el minimalismo para, apoyándose según la ocasión con pequeños detalles percusivos, otros ruiditos y creo que algún instrumento de esos de fuelle, crear atmósferas de cierta incomodidad acústica y levemente intranquilizadoras.
Nuestro transcurrir continúa por la costa norte del país para llegar a Gijón en 2008, año en el que La Jr editaba su último disco, 17 Animales, fruto de unos diez días de trabajo en los que por la mañana tocaron y grabaron sin ninguna pauta establecida y por las tardes escucharon, seleccionaron y añadieron saxo y voz allá donde lo creyeron conveniente. Muy alejados del formato canción y abandonando el espíritu pop que corría por sus venas. Desandamos el camino para irnos de fiesta hasta Pamplona, estamos en 2010 y el saxofónista Josetxo Goia-Aribe acaba de editar su sexto disco, La Orquesta Jamalandruki, grabación en la que rememora su niñez y la figura de Ricardo Rebolledo Zubiarrain “Jamalandruki”, mago ilusionista que con sus espectáculos por toda Navarra hacía las delicias de pequeños y mayores en aquella época en la que la televisión todavía era un artículo de lujo. Música circense, aires de fiestas populares y verbenas de aquellas que congregaban en las plazas a todo el pueblo.
Vamos terminando y nos encaminamos hacia el sur parando en Madrid, donde reside el histórico músico tinerfeño Juan Belda, allí nos espera No Encuentro La Tónica, cuarto disco acreditado a Juan Belda & The Bit Band, editado en 2019. En esta ocasión nos ofrecen un excelente disco, mi favorito entre los que he oído de ellos, plagado de algo que podríamos definir como jazz cósmico, experimetal, arriesgado y progresivo con sorpresa final a cargo de un Luis Prosper que junto con los efectos especiales de Belda tratan de fundirnos con el universo. Y para finalizar nuestro periplo de hoy, nos vamos a Sevilla para escuchar Últimeit, el segundo disco de Cuarteto Fuerte, banda liderada por Juan Miguel Martín, al que conocíamos en casa por su paso por Malheur. Editado en 2021, el grupo estrenó nueva formación para esta grabación de jazz intenso y libre en la que encontramos seis temas propios, y una versión de Morricone. Los entendidos hablan de John Zorn, Ornette Coleman o los canadienses Miriodor, y a nosotros, que poco o nada sabemos de estos nombres, nos dejan un muy buen sabor de boca.
Terminamos con los créditos de estos 10 discos y los títulos de las canciones que suenan.

01. Delirios Del Rumbo de Tomás San Miguel + Jorge Pardo. Extraída de De Dos En Dos (Nuevos Medios 1995)
Tomás San Miguel: piano y acordeón.
Jorge Pardo: Saxo soprano, saxo tenor y flauta.
Tino Di Geraldo: Palmas.
Grabado en Mojácar (Almería) en Casa Piña del pintor Brian Hunt en febrero de 1995.
Producido por Tomás San Miguel y Jorge Pardo.
Fotografía: Alberto Fernández de Agirre.
Diseño gráfico: Liliana Romero.

02. TBC de Scorecrackers. Extraída de Eating Flowers (Por Caridad Producciones 1997)
Markus Breuss: Trompeta y electrónica.
Pedro López: Percusión electroacústica, samples, cintas.
Grabado en directo en Villamanta (España) en febrero y marzo de 1997.
Víctor Polansky aparece con su guitarra preparada en algunos temas, adivina en cuáles.
Diseño y trabajo de arte: Pedro López.
Fotos: Pedro López.

03. En Busca De Un Sentimiento de Sal Om Free. Extraída de Rastro De Un Sueño (Bigfoot Recordings 2001)
José Osmundo Bacallado González: Guitarra acústica.
Ricardo Marichal de la Paz: Saxo tenor (L).
Juan Pedro Calzadilla Báez: Saxo tenor y soprano (R).
Pedro Manuel Torres Hernández: Bajo eléctrico, percusión (djembé) y teclados.
Baltasar Isla Jiménez: Batería y percusión.
Grabado los días 8, 9 y 23 de enero de 2000 en los estudios de Bigfoot Recordings en Santa Cruz de Tenerife.
Fotografías: María Calimano y Emilio Prieto.
Diseño gráfico: Bernardo Chevilly.
Producido por Sal Om Free [Ricardo Marichal y Pedro Manuel Torres].

04. Sale Perro de Macaronesis. Extraída de Macaronesis (Hespérides Producciones 2001)
Ramón Díaz: Batería.
José Carlos Machado: Contrabajo.
Cristóbal Montesdeoca: Piano.
Kike Perdomo: Saxos.
José Pedro Pérez: Percusiones.
José Antonio Ramos: Timple.
Chiqui Pérez: Voz.
Grabación: Estudis Albert Moraleda, Barcelona. 29, 30 y 31 de enero de 2001.
Mezclas: Estudios Multitrak, Santa Cruz de Tenerife.
Diseño gráfico: Susana Tarancón Garijo.
Fotografías: Miguel Ángel Pascual.

05. Chuck’s Woods de Joserra Senperena. Extraída de Blues Pasadizoak (Elkarlanean 2002)
Joserra Senperena: Piano.
Gonzalo Tejada: Contrabajo.
Pedro Barceló: Batería.
Diego Vasallo: Voz.
Alos Quartet: Francisco Herrero y Xabier Zeberio, violines; Ignacio Alkain, viola; Pello Ramírez, chelo.
Música de Joserra Senperena y letras de Diego Vasallo y Rafael Berrio.
Producido por Suso Saiz.
Grabado en vivo del 15 al 17 de julio de 2002 en los estudios Elkar.
Diseño: Estudio Lanzagorta.
Fotos: Ander Gillenea.

06. Martin Zodiac de Carcascara. Extraída de Carcascara (Talo Recordings 2007)
Fernando Aguirre.
Xabier Iriondo.
Iñigo Ugarteburu.
Grabado en Zarautz en abril y diciembre de 2006.

07. Atravesando El Pantano de La Jr. Extraída de 17 Animales (Acuarela 2008)
Julio 2007. Marzo 2008. Gijón.
Frank Rudow: Percusión, voz.
Francisco Deborja: Piano, voz.
Rafael Martínez Del Pozo: Guitarra eléctrica, voz.
Andrés Arregui: Saxofón barítono, saxofón soprano, voz.
Laura Martínez Del Pozo: Voz.
Dibujos de Juana Conrado.

08. Anitasuna de Josetxo Goia-Aribe. Extraída de La Orquesta Jamalandruki (GOR 2010)
David Herrngton: Trompeta.
Josetxo Goia-Aribe: Saxo soprano, tenor y composición.
Marco Bellizzi: Trombón de varas.
Luis Orduña: Tuba.
Guillermo McGill: Batería y percusión.
Grabado el 3 y 4 de diciembre de 2008 en el Auditorio de Noain (Navarra).
Producción: Josetxo Goia-Aribe.
Fotografía: Koldo Chamorro.
Diseño: Ritxi Ostáriz.

09. My Name Is Giro Shinato de Juan Belda & The Bit Band. Extraída de No Encuentro La Tónica (Los '80 Pasan Factura / Altafonte 2019)
Enrico Barbaro: Bajo.
Juanjo Ortí: Batería.
Jorge Pardo: Saxo y flauta.
Pelayo Arrizabalaga: Saxo, platos y clarinete bajo.
Javier Colis: Guitarra.
Juan Belda: Teclados, guitarra synth, tapes en tokyo, guitarras, moog, bajo y fx.
Pedro Barceló: Batería.
Ricardo Marichal: Saxo.
Samuel Tarraco: Trompeta.
Carolina Quilis y Manuel Llórente: Conversación telefónica.
Epi Llorente: Guitarra.
Luis Prosper: Texto y voz.
Producido, grabado y mezclado entre 2017 y 2018 en los Estudios Fondelastica de Madrid por Juan Belda. Grabaciones adicionales en Tokyo, Newcastle y Madrid.
Diseño gráfico: Madoka Belda.

10. Cornucopia de Cuarteto Fuerte. Extraída de Últimeit (Sentencia Records 2021)
Bernardo Parrilla: Saxo alto.
Javier Ortí: Saxo tenor.
Juan Miguel Martín: Bajo y composiciones.
Fernando Caro: Batería.
Producido por Juan Miguel Martín.
Grabado en directo en la sede de Assejazz (Asociación Sevillana de Jazz).
Arte de portada: María José Gallardo.
Diseño: Jesús Miguel Guisado.

miércoles, 31 de julio de 2024

De latidos electrónicos y máquinas con sentimientos


Nuevas canciones en nuestro blog con el primer disco de Ma Pogo como elemento alrededor del cual hemos seleccionado el resto de temas que aquí aparecen. Así que la cosa va de electrónica, o más bien de pulsiones electrónicas, de la electrónica como ropaje para la canción pop o rock, como vehículo para la expresión de preocupaciones y deseos, también un poco como herramienta idónea para hacerlo todo uno mismo, o en petit comité, y casi sin la necesidad de salir de casa.
Solo dos de las bandas que aquí aparecen llegan a los tres componentes, lo demás son proyectos individuales o en formato dúo, aunque siempre hay alguna ayudita por ahí o algún invitado sorpresa.
Espero que disfruten de esta selección que arracima canciones que van desde 2003 hasta 2022, y que como siempre, está compuesta en un gran porcentaje por discos que no llevan más de un par de años en casa.


01. Lost In NY de Humanoid. Extraída de Romance (Jabalina Música 2003)
Curtido en diversas bandas de tecnopop desde la época del instituto, es en 1997 cuando los feligreses de Disco Grande empiezan a escuchar el nombre de Arturo Vaquero, eligiendo la demo de Humanoid como la mejor de aquel año.
Esto, junto con el auge que estaba experimentando la música electrónica como relevo al ya casi agotado indie de guitarras de principios de la década, hizo que Jabalina Música se interesase por el proyecto liderado por Arturo, que inaugura el subsello Jabalina Electronic Team con su disco de debut Vectorspheres en 1998. Un año más tarde llegaba O.C.R., segundo disco de Humanoid, que según las críticas de la época se escora más hacia el pop que su antecesor.
En ambos discos Arturo ya cuenta con amigas y amigos para poner voz a algunas de sus composiciones electrónicas, pero llegado este Romance, tercer y último disco del proyecto, las cosas han cambiado y Humanoid se presenta como trío en el que también caben Laura Romay al bajo y Carmen Álvarez a las voces. Además la nómina de voces invitadas crece hasta ser siete los músicos que colaboran con sus cuerdas vocales en este disco, de manera que al final solo uno de los doce temas aquí presentes es instrumental.
La electrónica ya está plenamente al servicio de la canción pop y comparte protagonismo con violines, violonchelo, flautas, acordeón e incluso guitarras acústicas, además de la aparición puntual de la gaita en Lost In NY.
Una de mis portadas favoritas de Javier Aramburu remata de forma maestra la jugada.

02. Le Tien, Le Mien de Najwa. Extraída de Walkabout (DRO 2006)
El cartel de Salto Al Vacío, con la vista posterior del cráneo de Nawja Nimri con el pelo muy corto y la palabra VOID rasurada a la altura de los parietales, impactaba y daban ganas de ver la película.
Eran aquellos días en que parecía que el indie de los noventa iba saliendo de las catacumbas, se asociaba con el cine, y parecía que todo iba a dar mucha pasta, Subterfuge mediante.
Con este sello, debutaba en 1998 la actriz como mitad de Najwajean, junto con el productor Carlos Jean, con el que se dice que fue el primer disco de trip-hop hecho en este país, No Blood. El disco dispara la carrera del productor que empieza a ser reclamado por gente como Fangoria, Marta Sánchez y Bebe; y Najwa no tarda en aliarse con Raúl Santos para lanzar su carrera en solitario.
Raúl, que entró en lo del indie como batería de los leoneses Shar-Peis, que luego ocupó el mismo puesto en Los Planetas en la época del Pop, y que ya se había acercado a la electrónica con su proyecto personal SupercineXcene, ocupa el lugar de Carlos Jean y se encarga de las programaciones y la producción de Carefully, primer disco a nombre de Najwa a secas.
Walkabout es el tercer disco de Najwa, el trabajo con Raúl se mantiene y entre los dos se encargan de componer las diez canciones del disco. Es el único disco que yo he escuchado de ella y lo primero que me sorprendió es que se abre con una guitarra acústica sobre la que ella canta, y aunque la electrónica acaba haciendo su aparición, las guitarras, en su mayoría acústicas, no quedan reducidas a mera anécdota sino que comparten protagonismo con los sonidos sintéticos en las seis canciones en las que aparecen. No me lo esperaba, agradable escucha.

03. Guerripau de Hibrida, Nen I Cavall. Extraída de Permafrost (spa.RK 2013)
HamsterLoco nace en 1996, en la ciudad de Vic, como colectivo interdisciplinar de arte contemporáneo creado por DM Berny y Ashbrg, a los que pronto se unen Snail, Koulomek y Mashirito. Aunque también abordaron las artes plásticas y visuales, a lo largo de su vida concentró la mayoría de su producción en el campo musical, llegando en 2002 a crear el net label del mismo nombre, con el que editaron alrededor de cincuenta referencias de artistas relacionados con el colectivo, llegando a publicar algunas en formato físico a través del subsello Edicions Singulars.
En el seno de este colectivo nace, en 1997, el proyecto Hibrida, formado por Ashbrg, Koulomek y Katatsumuri. Un resumen de sus primeros años de trabajo aparece en 2005 bajo el título de Hibrid19962004, referencia que les sirve para plantearse casi un nuevo comienzo, alejado de su pasado más rockero y popero, que plasman en EP Zero a finales de 2006. Después de un largo parón, en el que sus miembros no cesaron de publicar grabaciones en solitario y como parte de otros proyectos, reaparecen en 2012, ya como Hibrida, Nen I Cavall, con el Ep Pedralbes.
Su siguiente paso, primero fuera del catálogo de HamsterLoco, es este Permafrost, nueve canciones que van desde la electrónica paisajística de Mascota o Vermilion Sands a las extrañas y arriesgadas abstracciones pop de temas como Salten Les Alarmes, pasando por algo parecido al shoegaze en Caramelles o los retorcidos experimentos de Llum De Gas. Me siguen desconcertando.

04. Roma de Cor Blanc. Extraída de Pròleg En Fred (Mondo Canapé 2015)
Cor Blanc se despedían de sus seguidores en mayo de 2021, dejando atrás algo más de seis años de actividad musical en los que tuvieron tiempo de tocar por Italia y Taiwan, grabar un único disco largo, de título You, publicado en 2018, y al menos cuatro ep’s, el último de ellos, Forever Tonight, editado por el sello japonés Galaxy Train.
Imagino que ni los propios Mireia Bernat y Sergi Serra Mir pensarían, seis años antes, cuando cada uno todavía por su cuenta, tocaba, grababa y escribía letras en su habitacion, que la decisión de aunar esfuerzos y juntarse para ver qué es lo que les salía les iba a propiciar tantas peripecias.
La cosa fue rápida desde el principio, si en marzo de 2015 anunciaban la creación de Cor Blanc, al mes siguiente publicaban sus primeras cinco canciones a través de su bandcamp, a las que en los siguientes meses irían añadiendo más. También pronto les llega la oferta del recién creado sello Mondo Canapé para inaugurar su catálogo, y en septiembre de 2015 ya avisaban de la inminente salida de Prolèg En Fred, casete en la que agrupaban ocho de estas canciones, reservándose otras seis para su siguiente referencia, Res Acaba, que también saldría antes de finalizar 2015.
Las ocho canciones que forman Prolèg En Fred conjugan la electrónica con las guitarras y algún sintetizador, yendo desde la indietrónica al dream folk siempre con esa sensación constante de que todo puede romperse en cualquier momento, lo que cuando aciertan, como en Eclipsi, Roma, Desert, Sweet Eye..., me pone los pelos un poco de punta, y en el peor de los casos, Renaissance IX, me provoca cierta indiferencia.

05. En Las Sombras de Daga Voladora. Extraída de Chiu-Chium (OSR Tapes 2016)
Tras la primera despedida de Los Enemigos allá por 2001, Fino Oyonarte no tardó en publicar el primer disco de Clovis, banda que compartía con, la para mí por entonces totalmente desconocida, Cristina Plaza. Luego la cosa cambió. Hace unos años declaraba en una entrevista que conforme iba avanzando la trayectoria del grupo, ella iba sintiendo cada vez más la necesidad de hacer algo con lo que se identificase al 100%.
Así nace Gran Aparato Eléctrico, su proyecto personal con el que publica dos discos: Rayos, Truenos Y Relámpagos en 2010; y Espejo, Espejito en 2012, mientras que también se embarcaba en Los Eterno, reconversión de Clovis con la incorporación de dos músicos que años antes habían sido parte de los murcianos Lou Anne.
Los dos discos de Gran Aparato Eléctrico solo se publicaron en digital y actualmente están desaparecidos de la red, alguien tendría que poner remedio a esto más pronto que tarde, quedando su participación en el disco Ataque De Caspa 1984 - 2011 como único testimonio de este proyecto.
Unos desaprensivos y desalmados que registraron el nombre e hicieron que Cristina tuviese que dejar de usarlo, provocaron la mutación que nos lleva hasta Daga Voladora, donde ella sigue encargándose de casi todo.
Chiu-Chium es es debut como Daga Voladora, editado solo en cinta por el sello estadounidense OSR Tapes, nos trae nueve canciones grabadas en un cuatro pistas entre 2013 y 2014 que se abren con la densa y por momentos casi industrial La Pasión Según Marco Antonio, para luego ofrecernos lo que podría ser la continuación de aquel Satélite 99 de Ana D que muchos llevamos tanto tiempo esperando.

06. Fuera De Mis Sentidos de Mysterio. Extraída de Mysterio (Munster Records 2018)
Charlie Mysterio se dio a conocer con su grupo Los Caramelos en la segunda mitad de la década de los ochenta. Aunque igual decir que se dio a conocer es muy exagerado, ya que la mayoría nos enteramos de su existencia o empezamos a prestarles atención cuando en 2002 el sello Spicnic editó un cd que recopilaba canciones de sus maquetas grabadas entre 1988 y 1999.
Así que ya en este siglo se empezó a hablar de Charlie como un geniecillo del pop, de esos un poco malditos y que nunca tuvieron suerte con el gran público, como Miguel Ángel Villanueva o Malcolm Scarpa. Mientras, él, sin abandonar su aventura con Los Caramelos, con los que a partir de 2014 ha editado un Lp y un montón de singles, se ha ido embarcando en lo que va de siglo en otros proyectos colaborativos como La Ruleta China, con El Zurdo; Os Peregrinos, con Roger De Flor o Shadow Girls, con J’aime Cristóbal.
Y entre todo esto, se arma con un pedal fuzz y una caja de ritmos Roland TR-606, que le programa su amigo Javi Bayo, y graba este disco bajo el nombre de Mysterio. Trece canciones registradas a base de primeras tomas en un cuatro pistas que discurren delicadas, un tanto desastradas, con encanto, versión de Micky Y Los Tonys y homenaje al gran Roberto C. Meyer incluidos, y que quizás tengan en la forma de cantarlas de Charlie su peor enemigo.

07. Chanson Pour Des Amants de Ma Pogo. Extraída de Pour Ceux Qui Ne Son Plus Là (Los ‘80 Pasan Factura / El Hombre Bala Records 2019)
Decía Fafe que Ma Pogo se formó en el sofá de su casa, y aunque suene a broma, puesto que el trío lo completan su compañera Carmen y el hijo de ambos JoC, no debemos dudar ni un momento en que efectivamente fue así.
Carmen había grabado algunas voces en francés en un tema del último disco de Brutalizzed Kids, y tanto el resultado como el buen montón de canciones que tenía Fafe en la gaveta, animaron a la familia a empezar a trabajar juntos sobre ellas, llevándolas al idioma del pais vecino y dándoles un tratamiento bien distinto al que podriamos tener asociado a cualquiera de las bandas en que ha militado el tinerfeño.
En un año tenían listo este disco, con el que debutaron. Diez temas de electrónica orgánica, aquí hay guitarras y baterias cuando se las necesita, que van desde la casi paisajística Silence Débordant que abre el disco, hasta las bases más duras de La Ville De La Haine, pasando por momentos absolutamente pop y cierta instrospección.
Aunque con Ataúd Vacante ya nos había mostrado su capacidad para el pop, a pesar de disfrazarlo de punk-rock, sorprende gratamente escuchar cómo sale más que airoso, con la ayuda de su familia, de esta expedición por terrenos electrónicos en la que muestra con valentía una sensibilidad que yo al menos no le conocía.

08. Hoguera Existencial de Dani. Extraída de Veinte (El Volcán Música 2020)
Un poco alucinado estoy con la biografía de Daniela Díaz Costas, yo que compré su disco en unos grandes almacenes porque me sonaba que sus comienzos estaban ligados al sello Jeanne d’Arc, el mismo que editó el debut de Rebe y epítome de ese nuevo pop que me causa mucha curiosidad y a la vez temor porque me coge ya mayor y quienes lo practican son muy jóvenes, porque lo mismo hacen una versión de Alejandro Sanz o Paulina Rubio que se declaran fans de Single o Vainica Doble, porque se mueven con indiferencia en cualquier terreno entre el mainstream y lo independiente como si todo fuese lo mismo, porque editan singles, remezclas, “featurings” solo en digital y yo no escucho música en el ordenador con lo que nunca podré tener toda su discografía en mis estanterías, en definitiva, porque estoy lleno de prejuicios y no quiero.
Pero no, aunque en 2020 participó en uno de los recopilatorios navideños del sello, resulta que dani había conquistado ya a sus primeros followers con su participación en el fatídico programa Factor X, y por si con eso no tenía bastante, resulta que además es hija de Silvino y Rosa de Aerolíneas Federales.
Poco después de su comentado paso por el mundo catódico ficha por El Volcán Música y este Veinte es su álbum de debut, ocho canciones de pop brillante y estribillos chisporroteantes de bases electrónicas, salvo la final Como Solía Creer, y cantidad de arreglos y apuntes que traen aires de bossa, exótica, pop de los sesenta… todo producido por Aaron Rux, acompañante habitual del último Joe Crepúsculo.

09. Milagro de María Arnal I Marcel Bages. Extraída de Clamor (Fina Estampa 2021)
Parece que fue la película El Ball Del Vetlatori de Marc Sempere la que actuó como catalizador para que María Arnal y Marcel Bagés comenzaran a trabajar juntos. Corría 2014, Maria ayudaba al director con algunos aspectos relacionados con la prensa mientras Marcel componía la canción que cerraba el film.
Miembro también del interesante proyecto Compartir Dóna Gustet, que conjugaba la recuperación de la cultura popular con las nuevas formas de distribución, es el propio Marc quien sugiere a Maria que Marcel puede ser un buen aporte para los temas con los que ella anda trabajando.
Sin darle muchas vueltas al nombre del proyecto firman como Maria Arnal I Marcel Bagés dos ep’s, con los que empiezan a estar en boca de los más avispados, y un lp que los catapulta al éxito en los premios de la música independiente de 2017 y a los puestos altos de muchas de las listas de mejores discos nacionales de ese año, ya con la electrónica añadida como un elemento más en su propuesta.
En 2021 sacan su segundo lp, Clamor, once canciones que empiezan con Milagro, quizás la que más se puede acercar a Tú Que Vienes A Rondarme, la gran canción de su anterior disco, para continuar sumergiéndose en parajes cada vez más experimentales.

10. Voy A Explotar de Depresión Sonora. Extraída de El Arte De Morir Muy Despacio (Sonido Muchacho 2022)
Marcos Crespo, nacido en 1997, lanzaba sus primeras canciones como Depresión Sonora en su bandcamp cuando corría mayo de 2020. Poco después Sonido Muchacho las plasmaba en un maxi, y ahí fue cuando me enteré de la existencia de este señor. Aunque yo era un fiel seguidor de casi todo lo que publicaba el sello desde 2012, en 2019 su catálogo había empezado a diversificarse y comenzaban a aparecer nombres que yo relacionaba, con o sin razón, con eso que ya se daba en llamar música urbana, y que para mí no era más que un eufemismo para no decir reguetón y autotune juntos. Aparecían discos de Antifan, Marcelo Criminal, Sen Senra y entre ellos el ya mencionado primero de Depresión Sonora, a los que lógicamente no hice ningún caso.
Para cuando llegaron otras cinco nuevas canciones agrupadas bajo el título de Historias Tristes Para Dormir Bien, en 2021, Depresión Sonora ya había conquistado al público del otro lado del Atlántico y Marcos era poco menos que un mesías en el país azteca. Las críticas hablaban de post punk arraigado en los ochenta, de Joy Division, The Cure, Décima Víctima y otras palabras mayores, y yo empezaba a arquear la ceja.
2022 nos trajo su puesta de largo con este El Arte De Morir Muy Despacio, al que yo me seguí resistiendo hasta que vi que según el Ruta 66 era el tercer mejor disco del año. Al final iba a ser verdad que esto iba a tener algo que ver con aquello que los viejitos llamábamos rock en su más amplio espectro, y bueno, después de comprarlo y escucharlo, en ese orden, pues toca arrepentirse de tanta indiferencia, a lo que añadiré que puede ser el disco que más le ha gustado a mi hijo de 16 años de todos los que pongo en casa y que pensando, puede ser que estemos ante el equivalente a Un Soplo En El Corazón para estas nuevas generacionez.

miércoles, 26 de junio de 2024

Lujo y miseria. Una mirada tangencial a ciertas movidas.

Ya estamos aquí con una nueva lista de canciones. En esta ocasión era Emeak Eta Arrak, segundo disco de M-ak, el que llevaba más tiempo en mis estanterías esperando para asomar la cabeza por aquí, y por eso es al que le tocaba inspirar esta lista.
Tarea complicada, M-ak son una auténtica rara avis en el panorama musical de este país, difíciles de encajar en casi cualquier contexto con su rock funk sin prejuicios, así que hemos tirado por lo fácil… discos de los ochenta con cierta personalidad, o que no rehuyan la invitación al baile, o ambas cosas a la vez, y como siempre, seleccionados entre los discos que he escuchado concienzudamente en este último par de años, casi todos de reciente adquisición salvo alguno repescado de mi fondo de armario.
Así ha quedado la cosa, espero que la disfruten.


01. La Visión de El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados. Extraída de El Aviador Dro Y Sus Obreros Expecializados (Movieplay 1983)
En 1980 quedan terceros en el concurso Villa Rock organizado por la Diputación de Madrid, lo que les lleva a fichar con Movieplay por tres singles que graban del tirón. El primero, con La Chica De Plexiglas y Laser, sale ese mismo año, el segundo, con La Visión y HAL 9000, sale al año siguiente. El tercero no llega a salir y el grupo rompe relaciones con Movieplay para hacer historia poco después desde su propio sello DRO.
Pronto se da cuenta Movieplay de su error, y en 1983 factura este artefacto con las cuatro canciones de los dos singles editados más las dos, Vano Temporal y Gestalt, que habían quedado en el tintero, curiosamente justo las dos en las que no figura Servando Carballar como compositor.

02. La Razón De La Discordia de La Décima Víctima. Extraída de El Vacio (Grabaciones Accidentales 1982)
Carlos Entrena acaba de dejar Ejecutivos Agresivos y se junta con los hermanos Lars y Per Mertanen, que según sus propias declaraciones hacían instrumentales inspirados en bandas sonoras de cine negro y en la música surf de los sesenta, con toques oscuros y sensibilidad punk, bajo el nombre de Cláusula Tenebrosa.
Como trío, junto a una caja de ritmos, se dan a conocer como Décima Víctima, o La Décima Víctima, en otoño de 1981. Pronto, junto a sus amigos de Esclarecidos y otros allegados montan el sello Grabaciones Accidentales que se estrena justo con este primer single de la banda.
Tres canciones que palidecen frente a su siguiente single, y obra maestra, en el que ya contaron con la batería de José Brena.

03. Pánico En La Convención De Farmacéuticos de Esclarecidos . Extraída de Pánico En La Convención De Farmacéuticos (Grabaciones Accidentales 1982)
Curioso caso el de Esclarecidos, si rebuscando las biografías de casi todos los grupos que aparecen en esta entrada los denominadores comunes son la precariedad de sus comienzos, ensayos en casa o en locales destartalados, y cierta sensación de jóvenes que empiezan a preguntarse qué hacer con sus vidas, en cambio Esclarecidos siempre son presentados como un grupo formado por tres arquitectos y un economista, además de hacer notar que Cristina Lliso y Alfonso Pérez eran ya un matrimonio.
En 1981 grabaron una maqueta con dos temas, y pronto optan, como acabamos de comentar, por unir fuerzas con otros amigos para crear Grabaciones Accidentales, donde editaron todos sus discos hasta su disolución en 1997. En 1982 sacaron dos singles, Música Para Convenios Colectivos y este Pánico En La Convención De Farmacéuticos, todavía cercanos a sonidos nuevaoleros.

04. Enséñame A Bailar de Dulce Venganza. Extraída de Quiero Matar A Una Chica (DRO 1983)
Los cronistas no parecen ponerse de acuerdo con el nacimiento de la banda capitaneada durante toda su trayectoria por Benito Peiando. Algunas fuentes lo fechan en 1977, mientras que otros lo sitúan en 1982, y previo a este nacimiento ubican a Benito en un multitudinario combo llamado La Banda De Rif.
La efervescencia de aquellos primeros años de la década favoreció el fichaje de la banda por la discográfica DRO, con la que debutaron con este maxi de tres canciones. El tema titular los llevó a sonar en todos los rincones del país alcanzando un fulgurante éxito, pero haciendo que el resto de su carrera, al menos a nivel de popularidad, se convirtiese en una continua línea descendente.
Para este disco la banda presenta una alineación casi de laboratorio, dos componentes oficiales, guitarra y voz, y una lista de colaboradores formada por músicos asociados a Pañoleta Records, el estudio en el que se grabó.

05. Europa de Derribos Arias. Extraída de En La Guía, En El Listín (Grabaciones Accidentales 1983)
Reconstruir la trayectoria musical de Poch desde finales de los setenta hasta el año 1983 es un galimatías inscrito en el triángulo que delimitan San Sebastián, Madrid y Huesca, en el que casi es imposible establecer fechas, y en el que aparecen mezclados los nombres de bandas de peso como Ejecutivos Agresivos, La Banda Sin Futuro, con una encarnación en San Sebastián y otra posterior en Madrid, y Derribos Arias, con otros de agrupaciones circunstanciales como Confiscadores De Polos o Apátridas Dúo.
En 1982 Derribos Arias ganan el 5º Festival Rock Villa de Madrid, sección Pop - Rock, y fichan por Grabaciones Accidentales, que les edita dos singles durante ese mismo año que les granjean cierta notoriedad entre el público generalista, alguna aparición en la tele y una gran devoción entre los medios especializados.
En 1983 llegó su único disco largo, este En La Guía, En El Listín, que parece que en su día no dejó a nadie contento.

06. Gasteizko Gaua de Zarama. Extraída de Zaramaren Erdian (Discos Suicidas 1991)
Surgidos en 1977, según propias declaraciones, para ellos el rock era sinónimo de ruido, velocidad y algún tipo de incordie para la autoridad. Después de un par de concursos en los que no pasan de la penúltima posición, el cambio de aires que trae la década de los ochenta les es más propicio y consiguen el segundo puesto en el Euskal Musika 80, modalidad rock, que tiene como premio grabar e incluir un tema para un lp recopilatorio junto con los primeros y segundos de las otras categorías.
En 1982 inauguraban el catálogo de Discos Suicidas con Nahiko, el primer single de punk grabado en euskera, y hasta 1986 le seguirían otro single, Zaramaren Erdian y dos discos largos, Indarrez y Gaua Apurtu Arte, además del mini-lp Altos Hornos De Vizcaya donde acompañaban al cantautor Antonio Curiel. Fin de la relación del grupo con Discos Suicidas, que a partir de entonces publicaría con Elkar.
En 1991, Discos Suicidas recopilaba lo mejor del paso de la banda por la discográfica bajo el título de Zaramaren Erdian. Quince canciones en la versión cd que nos muestran que Zarama, ya haya sido adrede o sin querer, parece que no quedaron contentos del todo con ninguna de estas grabaciones, nunca sintieron el punk como un corsé.

07. Lágrimas de Golpes Bajos. Extraída de Golpes Bajos (Nuevos Medios 1983)
Antes de la grabación del primer disco largo de Siniestro Total ya andaba Germán Coppini haciendo probaturas musicales con Teo Cardalda, y casi en paralelo a la grabación de ¿Cuándo Se Come Aquí? los dos amigos perpetraban una maqueta con cinco canciones con el nombre de Golpes Bajos.
Con esta maqueta participan en el concurso de la revista Rock Espezial, lo ganan y Mario Pacheco, de Nuevos Medios, corre a Vigo para ficharlos. Esto, junto con un pequeño cúmulo de acontecimientos desafortunados, el famoso botellazo y la famosa entrevista, hacen que Germán quede fuera de Siniestro Total y se dedique en cuerpo y alma a Golpes Bajos, que pasan a ser un cuarteto y a grabar de inmediato las cinco canciones que forman este disco, su debut, con el que reinaron en el panorama musical de este país durante 1983.

08. Me Quieren Hacer Comer de Como Huele. Extraída de Romances Y Aventuras (Ganga Records 1984)
Formados en 1980 por cuatro amigos, durante los primeros años de la banda el trasiego de músicos es importante y es la incorporación de Javier Maculet, que ya había tocado en Médanos De Singapur, la que parece que les da el impulso necesario para hacerse un hueco en el panorama musical bilbaíno de aquella época. En 1982 graban una maqueta, ¡Qué Bella Es Italia!, y al año siguiente aportan un tema al recopilatorio Sintonía Independiente editado por Discos Suicidas.
A finales del 83 les surge la posibilidad de grabar un disco con Ganga Records, discográfica de nuevo cuño que crea la gente de los estudios de grabación Gain. A la par, la banda ha quedado reducida a formato dúo, donde solo quedan Borja López y el mencionado Javier, que deciden afrontar la grabación del disco desechando todo su repertorio anterior, salvo Me Quieren Hacer Comer, a la que le ven grandes posibilidades comerciales, y componiendo ocho nuevas canciones que distan bastante de lo que sonaba en su maqueta. El traslado obligado de Javier a Barcelona termina con el grupo de manera prematura, aunque con una maqueta con tres canciones nuevas que no verían la luz hasta 2016.

09. La Fábrica No Está Cerca de Diseño Corbusier. Extraída de Pérfido Encanto (Auxilio De Cientos 1985)
No sé cuáles serían las expectativas del joven Javier G. Marín cuando a finales de 1981 ponía un anuncio en la revista Vibraciones para encontrar en Granada personas interesadas en formar un grupo en la línea de Throbbing Gristle o Cabaret Voltaire, pero el hecho es que obtuvo respuesta de un tal Rafael Flores, otro joven que ya andaba maquinando sus cosas musicales con el nombre de Comando Bruno. Ambos forman Diseño Corbusier, a los que pronto se une Ani Zinc, amiga de Rafa, que también hacía música por cuenta propia como Neo Zelanda.
En 1982 acuden a los estudios Colores de Madrid, Ani Zinc graba dos temas y Diseño Corbusier tres, con la intención de que DRO editara un single de cada proyecto. Al final solo ve la luz, al año siguiente, el de Neo Zelanda, impasse en el que Rafael deja la formación, mientras que Javier y Ani deciden darle un nuevo impulso al grupo.
En el mismo año 83 crean la asociación Auxilio De Cientos, desde la que distribuyen y editan un puñado de cintas, entre ellas Stadia, la primera referencia oficia de Diseño Corbusier, a la que siguió este disco, Pérfido Encanto, convirtiéndolos con los años en uno de los proyectos experimentales más reconocidos fuera de nuestras fronteras.

10. Putrea de M-ak. Extraída de Emeak Eta Arrak (Nuevos Medios 1986)
Nacidos en el Goierri y amigos desde muy jóvenes, Kaki Arkarazo y Angel Katarain dedicaron su juventud a toda clase de exploraciones musicales, entre las que encontramos desde expediciones a las cuevas de Ataun donde tocaban instrumentos acústicos para seguir el camino del sonido por las galerías hasta la fabricación de amplificadores propios. En 1980, Kaki entra en Laket, con los que toca en todas las verbenas que se les ponen por delante tocando versiones de The Police, Steve Wonder, The Clash… experiencia que le refuerza en la idea de trabajar y dar salida a sus propios temas.
A finales de 1982, Kaki conoce a Xabier Montoia, escritor en ciernes que venía de descubrir el punk en Londres y de participar en la creación de Hertzainak, banda de la que fue vocalista durante sus primeros años de vida. Debió de ser en algún momento de 1983 cuando Kaki y Ángel graban Mmmm, primer disco a nombre de M-ak, grupo que conciben como un proyecto abierto, con la ayuda de Xabier y algún componente de los mencionados Laket.
A la altura de este segundo disco, ya funcionan más como banda, con Kaki y Xabier como núcleo de la misma.

lunes, 10 de junio de 2024

Los setenta pasan factura


Nuevas canciones, y en esta ocasión es el disco Otros Días de Gualberto el encargado de marcar el rumbo de esta selección de canciones. Así que entre los muchos discos que están aguardando su turno para aparecer en este blog hemos tirado por la década de los setenta, por el virtuosismo, por el folk, por lo sinfónico y por el acercamientos a la música de cámara. En principio, nada que sobre el papel me emocione mucho, discos que he comprado más por curiosidad que por necesidad de escucharlos o por considerarlos imprescindibles.
Yo empecé a escuchar música en los ochenta, así que casi ninguna referencia de la década anterior formó parte de esos descubrimientos que de joven te abren un nuevo mundo, incluso juraría que el primer disco que compré de esta década fue el de La Banda Trapera, y lo hice cuando se reeditó en los noventa y por lo que tenía de antecedente directo del punk en nuestro país.
Bueno, una vez contada mi batallita, a continuación les dejamos con diez canciones que un poco la casualidad, y otro poco mi afán de completismo, han traído a mis oídos en estos últimos años. Espero que las disfruten.


01. Tritons de Fusioon. Extraída de Fusioon (BP 1974)
Surgidos a principios de los setenta en Manresa, el grupo formado por Manel Camp, Santi Arisa, Martí Benet y Jordi Camp edita en 1974 su segundo disco, otra vez sin título, y con una inolvidable y fovista portada como seña de identidad.
En su interior cinco canciones, que van desde los tres minutos de la ágil Farsa Del Buen Vivir hasta los casi diez de Concerto Grosso, en las que cabe casi de todo, jazz, rock, voces, interludios tranquilos, solos de batería, de órgano, acercamientos al folk, a la música clásica y cambios, cambios y cambios…
Los entendidos del género parecen coincidir en dos cosas, en que por momentos pueden recordar a los británicos Gentle Giant, cosa que yo no puedo ni afirmar ni desmentir, y que estamos ante una de las cumbres del rock sinfónico en nuestro país, a lo que yo solo puedo añadir que a mí me ha gustado más de lo que esperaba.

02. Arquitecto De Sueños de Hilario Camacho. Extraída de La Estrella Del Alba (Movieplay 1976)
El de Chamartín comenzó su andadura musical en los alrededores del año 1967 dentro del colectivo Canción Del Pueblo, para después dedicarse unos años a errar por el mundo con su guitarra.
Regresa a España a comienzos de la década de los setenta y en 1973 salía al mercado A Pesar De Todo, el primer disco largo a su nombre. Su tercer disco, La Estrella Del Alba, lo perpetraría en Menorca, a donde había huido cansado de la gran ciudad. Diez canciones, tres de ellas instrumentales, en las que se acompaña por músicos que por aquellos años deambulaban entre lo progresivo, el jazz y el amor libre, entre los que encontramos al bajista, y coautor de algunos temas del disco, Jorge “Flaco” Barral, luego en Azahar y Azabache; al percusionista Fernando Bermúdez, luego en la banda con la que Luis Vecchio grabó Contactos; y a los hermanos Jesús y Jorge Pardo.
Como resultado un disco con dos vertientes bien diferenciadas, una más cercana a lo progresivo, vía acercamiento también a lo latino y la exuberancia instrumental, y otra más intimista y cercana a las canciones que formaron su anterior disco De Paso.

03. M'Shalya Garibach Al-Hossain - Sana'a Darj Garibach Al-Hossain - Touchia Al-M'Sarki de Atrium Musicae De Madrid. Extraída de Musique Arabo-Andalousse (Harmonia Mundi 1977)
Formados en 1964 por Gregorio Paniagua después de que este decidiera abandonar sus estudios de medicina y viola de gamba, y consagrar su vida a la música antigua. Esto lo lleva a crear su propio taller en el que reconstruye la mayor parte de los instrumentos musicales antiguos que figuran en los manuscritos, pinturas, bajorrelieves y cerámicas con los que se topa mientras perpetra sus investigaciones musicales, y a ejercer como director de este ensemble durante toda su trayectoria.
En 1977 editan, si las cuentas no me fallan, su séptimo disco, este Musique Arabo-Andalousse, en el que el Atrium está integrado por Cristina Úbeda, Beatriz Amo, Pablo Cano y los hermanos Gregorio, Luis, Eduardo y Carlos Paniagua.
Doce piezas de nūbah andalusí que bañaron Granada desde el siglo VIII hasta la caída del califato en 1492, y que evocan el amor a la vida y el gusto por la belleza que reinaba en aquellos tiempos de esplendor cultural.

04. Urzo Aphal Bat de Haizea. Extraída de Haizea (Herri Gogoa 1977)
Formados en Hondarribia, en algún momento entre 1975 y 1976, por Xavier Lasa, Amaia Zubiria, Gabriel Barrena, Carlos Busto y Txomin Artola cuando este último buscaba una banda de directo para presentar Olaxta, su primer y reciente Lp en solitario. Al final, parece que nunca llegó a presentarlo, sino que se involucró de lleno en el nuevo grupo, que debutó en 1977 con este disco.
Siete canciones de folk levemente lisérgicas, cinco de ellas acreditadas como populares más una composición de Txomin y otra de Xavier. Canciones bonitas de verdad, casi mágicas, evocadoras y plácidas que cada vez me gustan más.
A pesar de la buena acogida del disco por parte del público vasco, al año siguiente Txomin deja Haizea para continuar su carrera en solitario, mientras que la banda incorpora a Xavier Iriondo en su lugar. En 1979 editarían Hontz Gaua, considerado por los especialistas como uno de los mejores discos de folk progresivo grabado en Europa por aquellos años, lo que quizás ha relegado a un injusto segundo plano este delicioso debut.

05. A Place To Face de Dolores. Extraída de Asa·Nisi·Masa (Polydor 1978)
El madrileño Pedro Ample, después de pasar por Los Grimm, de sustituir a Teddy Bautista como vocalista de los Canarios mientras este hacía la mili, y de probar suerte con The Brisks y Frecuencia, empezaba a comienzos de los setenta su carrera en solitario como Pedro Ruy-Blas. Su primer largo, Luna Llena, llegó en 1975 y en él ya se empieza a percibir un distanciamiento de la canción melódica con la que se dio a conocer en sus primeros singles.
Su siguiente paso, Dolores, es más drástico, Pedro se coloca en la batería, usa su voz como un instrumento más, y las composiciones del álbum se reparten entre los músicos que participan en el disco, propiciándose así, poco después de esta grabación la creación propiamente dicha del grupo Dolores. La banda solo publicará dos discos, La Puerta Abierta, y este Asa·Nisi·Masa en el que la banda la forman Jorge Pardo, Jesús Pardo, Antonio Aguilar, Rubem Dantas y el propio Pedro, además de contar con la guitarra de Paco de Lucía en el tema que abre el disco.
En total, seis temas de jazz fusión tropicalista comandados por flautas, saxo, teclados y percusiones.

06. Cançó Del Campaner De Taüll de Coses. Extraída de Perquè No S’apagui L’aire (Movieplay 1978)
Formados en 1972 en torno a Jordi Fàbregas, Ton Rulló y Miquel Estrada, los propios músicos definían al grupo como un cantautor de tres cabezas, fueron incorporando elementos al proyecto hasta llegar a ser seis personas a la hora de grabar este Perquè No S’apagui L’aire, su último disco hasta su vuelta a los escenarios en 2013 que nos traería un nuevo disco en 2016.
Parece que su irrupción a comienzo de los setenta supuso un pequeño revulsivo para el folk catalán, pero a la altura de este tercer disco, en el que se apoyan en textos del poeta Miquel Desclot en cinco de los siete temas que lo conforman, la etiqueta se les queda demasiado estrecha. Nuestros tres protagonistas con la ayuda de Ramón Llatjós, Josep Pons y Lluis Masdeu cocinan un disco en el que hay un poco de todo, y sí, hay folk con sabor a cantautor y a mediterráneo, pero también hay espacio para guitarras eléctricas, pianos Fender, Moog, efectos y percusiones que llegan a su cenit en los trece minutos de la final Cançó Del Campaner De Taüll.

07. Darshan de Imán Califato Independiente. Extraída de Imán Califato Independiente (CBS 1978)
Formados en 1976 en Madrid por Iñaki Egaña, Kiko Guerrero y Manuel Rodríguez. Iñaki había tocado con Barrabás, y en 1974 había grabado el disco Karma a su nombre en el que ya Kiko Guerrero se encargaba de la batería. Por su parte Manuel Rodríguez venía de los sevillanos Goma, con los que había grabado su único disco 14 De Abril. Al año siguiente incorporan a Marcos Mantero, que ya había tocado con Manuel en Chicle, Caramelo Y Pipa, y venía de tocar con gente como Gualberto, Eduardo Bort y Lole Y Manuel.
Los cuatro músicos, que en aquella época parece que se encontraban en perfecta comunión con las enseñanzas de gurú Prem Rawat, deciden irse a vivir juntos formando una comuna en las cercanías del Puerto de Santamaría, dedicándose a la agricultura y la música.
Dos jefazos de CBS España quedan impresionados por su potencia improvisatoria y creativa y les graban su primer disco, cuatro canciones que según los especialistas han quedado como una de las cumbres del rock progresivo de este país y piedra fundacional de eso que se llamó rock andaluz.

08. Auroriña de Emilio Cao. Extraída de Lenda Da Pedra Do Destiño (Guimbarda 1979)
Nacido en Santiago de Compostela en 1953. De juventud itinerante, viajó y vivió en varios países europeos a mediados de los sesenta. Dio sus primeros pasos en esto de la música en bandas cercanas al pop y al rock, incluso parece que pasó fugazmente por los progresivos NHU, aunque también estuvo en contacto con el colectivo Voces Ceibes, cuya premisa era hacer canción social y beligerante cantada en galego y en el posterior y efímero Movimento Popular Da Cancion Galega, ya en 1974.
Debió ser por aquellos años su fortuito encuentro en una tienda de segunda mano con un arpa, resultando ser providencial, según cuentan las crónicas para el devenir y renovación del folk galego. Editó su primer disco, Fonte De Araño, en 1977, y dos años después llegaba este Lenda Da Pedra Do Destiño. Cinco composiciones propias y tres tradicionales en las que Emilio se encarga del arpa, la cítola, la guitarra, el bajo, los teclados, la zanfoña, la mandolina, las voces y los coros; y Xoan Silvar de la gaita, las flautas y la percusión. Un disco verdaderamente bonito, que conmueve en las tres ocasiones en las que Emilio nos deja escuchar su voz.

09. Callejeando - Patio De Las Palomas de Gualberto. Extraída de Otros Días (Movieplay 1979)
Nacido en Triana en 1945, sus primeros pinitos musicales lo llevaron a grupos como Los Jóvenes Excéntricos y Los Murciélagos, grupos de juventud de los que ha trascendido su nombre hasta nuestro días me imagino que solo por el hecho de que Gualberto, y parece que también Silvio, estuvieron en sus filas. Hacia 1966, comienza una nueva aventura con Nuevos Tiempos, en donde coincide con Jesús de la Rosa, aunque deja el proyecto antes de llegaran a grabar su único single para formar Smash al rededor de 1968.
Después de dos discos, descontento con la deriva que está tomando el grupo, viaja a Estados Unidos, de donde vuelve hacia 1972 para grabar su primer disco en solitario, que quedará inédito hasta 1978, cuando salió como parte del doble disco El Nacimiento Del Rock En Andalucía. Luego llegarían A La Vida, Al Dolor y Vericuetos en los que se explaya con la guitarrista y el sitar.
Su siguiente paso es este Otros Días, en el que más bien ejerce de director de orquesta, suyas son las composiciones, pero las interpretan músicos de la Orquesta Nacional. Según contaba en una entrevista, la intención inicial era grabar su guitarra sobre las cuerdas, vientos y piano, aunque al final esta quedó relegada a aparecer únicamente en el tema que da título al disco, entregando un disco que poco tiene que ver con los anteriores.

10. Agua De Colofonia de Gregorio Paniagua. Extraída de Batiscafo (Hispavox 1980)
Nacido en 1944 en Madrid, ya comentamos por encima, al hablar del Atrium Musicae De Madrid, sus comienzos en esto de la música, abandonando sus estudios reglados para sumergirse en su propio mundo de lutieres y partituras vetustas.
Llegado 1980, y después de un sinfín de grabaciones realizadas junto al Atrium, un buen número de conciertos realizados por medio mundo y algunos premios otorgados por su labor muscical, Gregorio Paniagua decide afrontar la grabación de un disco en solitario, alejado de la disciplina del grupo, en el que él se encargaría de tocar todos los instrumentos. Y cuando decimos todos, estamos hablando de una larga lista de más de cien que aparece en la contraportada del disco, cada uno de ellos debidamente acompañado de datos como su origen, fabricante, si se conoce, y fecha de fabricación. Hasta dos timples canarios aparecen entre instrumentos clásicos y otros asociados al folklore castellano, hindú, magrebí... A esto hay que añadir otras fuentes de sonido como globos salchicas, abejas, pelotas cósmicas de ping-pong bajo la influencia de la fuerza de gravedad lunar, además de sintetizadores, vocoder y otros aparatos electrónicos.
La leyenda cuenta que durante todas las noches de un mes Gregorio se recluyó en el estudio de Hispavox para dar vida a este discos tratando de hacer, a su muy personal manera, algo parecido a lo que Mike Oldfield hizo en Tubullar Bells. El resultado fueron nueve temas, y doce interludios, en los que el clasicismo se revuelca con la exploración con resultados que nunca agreden al oyente, sino más bien lo contrario. En su día parece que Hispavox tomó la decisión de retirarlo rapidamente del mercado, incapaces de ver el potencial comercial de este artefacto, que para mí es bastante grande.

domingo, 19 de mayo de 2024

Más Allá. Los Enigmas Pendientes


Nuevas canciones, en esta ocasión es la única demo de Lechuza la grabación que guía la selección del resto de canciones que puedes escuchar en esta entrada. Amantes de la penumbra, y de difícil catalogación musical, hemos decidido que sean el misterio, lo desconocido, la brutalidad, y la belleza que esta encierra, los nexos de unión entre los temas que se pueden escuchar aquí.
En homenaje al insigne Dr. Fernando Jiménez del Oso y del programa con el que desde 1976 se asomaba semanalmente a nuestras casas para ponernos los pelos como escarpias, hemos llamado a esta lista Más Allá, y al igual que en su programa, puede que todo lo que leas a continuación no sea completamente cierto y hasta que tenga algo de sensacionalismo… pero tampoco es todo mentira. Escuchen, lean y ya entonces créanse ustedes lo que se quieran creer.


01. 26 April 1986 de Duga-3. Extraída de Duga I (Truco Espárrago 2010)
Puesta en marcha en 1976, Duga-3 es una misteriosa y enorme instalación soviética construida en las afueras de la ciudad ucraniana de Mykolaiv, que hasta 1989 estuvo emitiendo una señal de radio audible en gran parte del mundo por cualquier aparato que operase en la onda corta. Su finalidad nunca ha sido del todo desvelada, unos hablan de que formaba parte de un sistema antimisiles soviético, otros, de un intento de control mental de la población mundial a través de señales acústicas.
En Asturias, por aquella época un joven David Von Rivers acostumbraba a encerrarse por largas horas en su cuarto con una vieja radio de sus padres fascinado por los extraños sonidos que se podían sintonizar en la SW de aquel aparato. Nadie en su familia le daba mucha importancia a aquellos ruidos que salían de la habitación y que podían recordar al repiqueteo de un pájaro carpintero, pero según crecía, las manías de David comenzaban a causar cierta intranquilidad entre su familia y amigos.
El día menos pensado creó un sello discográfico de extraño nombre, Truco Espárrago, dando a conocer bajo el nombre de Duga-3, y apoyado en la poderosa e intrigante imaginería soviética de aquellos años en que se acuñaron términos como guerra fría y telón de acero, las probaturas en torno al dark ambient, el noise, lo industrial y lo drónico que llevaba haciendo desde hace unos años, sin que nadie haya podido determinar a día de hoy cuanto hay de casualidad o si aquella señal repetitiva tuvo parte de culpa.
Sea como fuera, así nació Duga I, seis piezas de tensión ambiental y poderoso carácter narrativo que bien pueden ser un viaje por algunos de los más inquietantes episodios y desolados territorios de aquel trozo de tierra que conocimos como la URSS.

02. Existencia Maldita de Abrahel. Extraída de Back From The Underworld (Autoeditado 2011)
Mencionado en la obra Daemonolatreiae Libri Tres, del insigne cazador de brujas Nicolás Remy, escrita allá por 1595, Abrahel es un demonio súcubo de la estirpe de Lilith, primera mujer de Adán, creada a partir del mismo barro que este y que al saberse su igual prefirió abandonar el paraíso y vivir junto a los demonios antes que someterse a su marido, convirtiéndose así por siempre en la mísmisima reina de todos los súcubos.
Según cuenta la leyenda, Abrahel toma la apariencia de una atractiva mujer para seducir a los hombres, introduciéndose en sus sueños para absorber su sangre, su energía vital, sus fluidos y someterlos a su voluntad.
En Barcelon, un buen día de finales de 1997, dos jóvenes de apariencia normal, de los que su familia nunca había tenido ninguna queja, cambian sus nombres por los de Incuberus y Agaliareth debido al mandato de un poderoso ser que se les había parecido en sus sueños la noche anterior, deciden crear una banda de black metal de nombre Abrahel y olvidarse de cualquier otra pulsión terrenal que no sea la de ir editando discos en los que, a base de black metal melódico y eficientes riffs, pretenden ir desgranado la historia del mencionado demonio desde su nacimiento como humano hasta su bajada a los infiernos.
En 2011, la banda editó este Back From The Underworld como artefacto promocional para encontrar discográfica para su segundo disco, y de paso aprovechó para apartarse ligeramente del camino que ¿ellos mismos? se habían marcado incluyendo una versión de los suecos Bathory y una colaboración con el escritor, poeta y satanista colombiano Héctor Escobar Gutiérrez, al que ¿el destino? hizo que conocieran en una visita que realizó el grupo a México.
Desaparecidos desde 2015, ¿quien sabe en qué inhóspito lugar del inframundo estarán pagando la osadía de haberse desviado del camino que sus sueños les habían marcado?

03. Fo (Fragmento) de Hermanos Peláez. Extraída de Fo (Discos Fractales / Discos MeCagoEnDios 2013)
Los Hermanos Peláez venían regentando su popular negocio familiar de chatarra desde 2005 aproximadamente. Con el nombre de Desguace Beni facturaban un rock instrumental acelerado a base de guitarra y batería bien aderezado de punk, surf, rock & roll y hardcore. 
Nada hacía suponer a sus vecinos y amigos que aquella pareja de hermanos respetables eran las mismas personas que cada día de San Atas, amparadas en la oscuridad, acudían al bosque para penetrar hasta lo más profundo de la gruta del Hermano Fo y allí, armados con dos teclados que conectaban a unos viejos amplificadores soviéticos de la marca Sovtek, generaban ondas sónicas que iban resquebrajando el portal que separa nuestra realidad de la del oscuro mundo de Fo.
Lo que sucedió a ciencia cierta la noche del 29 de junio de 2013 nadie lo sabe. Esa noche, aquel que llamaban Screamin' Mario Loco siguió a los hermanos hasta lo más profundo de la cueva y grabó integramente el largo ritual sónico que acabó por abrir el portal que comunicaba ambos mundos. De él nunca más se supo, y de los Hermanos Peláez solo rumores, que eran ellos los que en un par de ocasiones, amparados por la oscuridad más absoluta, se subieron al escenario de algún garito de la capital del reino para repetir con más fuerza su chamánico ritual, aunque nadie pudo ver sus caras ni asegurar que fuesen ellos.
Tampoco hay una explicación clara de cómo aquella grabación llegó a tener una minúscula y subrepticia edición que fue a parar a manos de sus pocos acólitos. Años más tarde, fruto del interés de ciertos documentalistas y amigos de lo paranormal, se recuperaba esta grabación en disco de vinilo.
También hay quien asegura que de vacaciones por España, otra pareja de hermanos, apellidados Duffer, escucharon la inquietante historia de los Hermanos Peláez... y que el resto es ya historia de la televisión.

04. Distant Shooter de Homeless Network. Extraída de Dragging (Bestiarie 2016)
Homeless Network es una asociación interacional sin ánimo de lucro que nació con la finalidad de ayudar a todas aquellas personas sin hogar que viven a tiempo completo en la calle. Ya sabemos que no todas las personas encuentran acomodo en nuestra sociedad y que el desarraigo está cada vez más presente en nuestras comunidades. Defenestrados socialmente, vagan invisibles a nuestros ojos, tal como somos, incapaces de aguantarles la mirada, por lo que, a día de hoy, toda ayuda a estas personas es poca.
Pero quizás debido a esta invisibilidad, nunca han faltado las voces que denuncian que organizaciones como la mencionada, tras tan loables intenciones, esconden una sociedad secreta que se extiende a lo largo y ancho del planeta formada por miles de ojos que nos observan sin ser vistos, que lo saben todo de nosostros y controlan cada uno de nuestros movimientos. Sin más lealtad que la que profesan a los miembros de su organización, ejercen un poder absoluto sobre los bajos fondos que se ramifica y eleva amenazando con controlar a su voluntad a los estamentos más respetables de nuestra sociedad y con destruir su posición social, lo que les ha llevado a una guerra total contra las fuerzas de seguridad que auspician nuestros gobernates, y que tiene lugar a diario en las calles de nuestras urbes sin que los comunes mortales parezcamos darnos cuenta.
A pesar de las persecuciones, el avance de estas sociedades secretas parece imparable y en 2016 surgían las primeras noticias de la llegada de Homeless Network a A Coruña, lanzando desde la más absoluta clandestinidad su primer manifiesto sonoro, Dragging, en el que se mostraban ante sus conciudadanos como un desafiante ente compuesto por personas y máquinas, emisor de sonidos agonizantes, industriales, arrastrados, incómodos, pútridos reflejos de la hipocresía reinante a nuestro alrededor y de todo el detritus que generamos y queremos esconder debajo de las alfombras al intentar mantener el falso brillo de nuestra sociedad del bienestar.
La lucha continua, ultimanete colaborando con Guzural, asociación de similar cariz sita en Euskadi. La caída de nuestro mundo de comodidades, tal y como lo conocemos, puede que esté cerca...

05. La Ira de Habitar La Mar. Extraída de La Deriva (The Braves Records 2018)
Solo hace falta tirar de hemeroteca para comprobar que Jaén es tierra de misterios. Ya en 1628 se recogía por escrito la leyenda del Lagarto de la Malena, que narraba que una gran sierpe o dragón, según las versiones, habitaba en las cercanías de la Fuente de la Magdalena y se comía a quien iba a por agua y a los rebaños que se detenían a refrescarse, por lo que los habitantes de la zona no se atrevían a acercarse al manantial.
Si nos acercamos más a nuestro días vemos que son muchos los lugares de la ciudad que desde principios del siglo XX son señalados como escenarios de experiencias paranormales. El que fuera Sanatorio de Tuberculosos El Neveral, luego Hospital Universitario Dr. Sagaz, la conocida como Casa del Miedo situada frente a la iglesia de San Bartolomé, el Parador Castillo de Santa Catalina son algunos de los sitios en los que se mezclan historias de muertes desgraciadas, luces que parpadean, suicidios, fantasmas, objetos que levitan, apariciones de niños en traje de comunión, ruidos, golpes, malos olores y otros fenómenos poltergeist. Incluso se ha llegado a afirmar que la ciudad está ubicada sobre un importante vortex de energía paranormal.
Pero de todas las historias que han llegado a nuestros oídos, puede que la más sobrecogedora e inquietante sea la que narraban los miembros de Habitar La Mar después de la edición de su primer disco, La Deriva, allá por 2018. Según contaban, los ensayos antes de la grabación se convirtieron en auténticas experiencias traumáticas en las que decían sentirse en trance, como poseídos, sus cuerpos se contorsionaban al contacto de los instrumentos como si una energía sobrenatural dictase sus actos, en el local aparecieron extraños símbolos en las paredes, papeles con letras de canciones que nadie había escrito, de los amplificadores salían sonidos extraños… terminando exhaustos y aterrorizados cada jornada, una extraña fuerza los hacía volver cada día al local. De estas sesiones surgieron estas cinco canciones rabiosas, nerviosas, a modo de estampas de un nuevo tarot del horror y la liberación.

06. Regresión de Sönambula y Goddess Of War And Annihilation de Barbarian Swords. Extraídas de Tetrarchia Ex Bestia (Negre Plan Y / Blood Fire Death 2019)
No es el momento de hablar del origen del black metal como género musical, sino del horror que lo rodea allá por donde se extiende. Son muchos los círculos de músicos de este estilo que han existido desde finales de los ochenta en casi todos los lugares del mundo. El primero, y quizás el que ha dado más titulares a la prensa mundial, fue el Inner Circle, creado en Oslo a principios de los noventa por miembros de las bandas Mayheam, Burzum, Emperor, Darkthrone, Enslaved, Immortal y algunos seguidores de estas, con la finalidad de erradicar el cristianismo de Noruega. Quema de iglesias, asesinatos, suicidios, profanación de tumbas, frituras de sesos, fotografías de cadaveres que pasan a ser portadas de discos y hasta envíos postales de pedazos del craneo de alguno de sus mártires son algunas de las prácticas de estos adoradores del diablo y otros dioses paganos. Son tantas las atrocidades que la misma policía noruega reconoce que no llegará nunca a saber hasta donde llegaron sus fechorías.
Tal y como decíamos, la mecha encendida en Oslo se propagó rapidamente por toda Europa dando lugar a otros círculos como Les Légions Noires en el norte de Francia, con la banda Chapel Of Ghouls como pilar fundamental, el Helvetic Underground Comitte que opera desde Zurich, el Blazebirth Hall en Rusia, el Black Metal Invitta Armata en Italia, la Let The World Burn Coallition en Polonia, el Underground Black Metal Resistence en Eslovaquia, el Black Plague Circle en Bosnia-Herzegovina... así podríamos seguir llenando renglones, y que han hecho saltar las alarmas de todas las policias europeas y de la mismísima Europol.
Aquí, en nuestro confortable país, lejos de los gélidos páramos noruegos, a pesar de disfrutar del mayor número de horas de sol al día de todo el continente y de los esfuerzos del Cuerpo Nacional de Policia, no hemos podido escapar a la llegada de esta plaga de oscuridad que se ha ido fraguando en el más estricto secreto desde principios de los noventa con bandas como Primigenium y Dying Christ, a las que no les ha faltado relevo generacional y capacidad de organización como demostraban en 2019 las bandas Judaswiege, Moribundo, Sönambula y Barbarian Swords, agrupadas en la Tetrarchia Ex Bestia (Tetrarquía de la Bestia) no sé sabe bien con qué maquiavélicos planes. El horror está servido... parece mentira que ustedes duerman tranquilos.

07 Finale - La Puerta Del Ruido de Doce Fuegos. Extraída de El Templo De Las Cuevas (Sentencia Records 2021)
Es Herodoto quien señala a Coleo de Samos como el primer navegante griego que llega a las costas del sur de la Península Ibérica. Desviado por el viento en su marcha a Egipto se vio forzado a atravesar las Columnas de Heracles, más tarde llamadas Columnas de Hercules por los romanos, y arrivó a Tartessos. La ciudad, a la que la mitología le asignaba al gigante Gerión como primer rey, era conocida por los griegos como un lugar donde abundaban las riquezas y cuyos monarcas constituían una referencia paradigmática por su sabiduría y longevidad.
La minuciosa descripción que van alcanzando los griegos del litoral oriental de la Península contrasta con el desconocimiento de los espacios interiores, y mientras ciudades costeras como Cartago, Ampurias, Gadir evolucionan gracias a la presencia sucesiva de los pueblos fenicios, griegos, cartaginenes y romanos, el interior, tierra de Celtas, Lusitanos, Celtíberos y Vascones entre otros, parece detenido en el tiempo.
La conquista romana de la Península, comenzada en el 218 a.C., se dilató durante unos 200 años, y han sido sus crónicas las guías con las que se ha reconstruido buena parte de la historia de los primeros pobladores de nuestro territorio. Pero esta historia nos deja por el camino grandes incógnitas y nos habla de lugares y ciudades, no ya que fueron destruidos y solo han llegado sus ruinas a nuestros días, sino de los que no hemos podido ni determinar exactamente su ubicación, perdidas en la niebla de los años.
Así surge una lista de nombres de urbes como Arriaca, Laminio, Urkesa, Intercatia, Baiyara, Mainake, Bergida, Vellika o la mismísima Tartessos, tan larga o más que la de las personas que han dedicado su vida a buscarlas. Entre estos buscadores de ciudades perdidas, destaca el nombre del sevillano afincado en Oviedo Miguel Palou, sobre el de los demás. Doctor en Historia y Civilización, y formado muscalmente en el Conservatorio Profesional de Música Cristóbal de Morales, Miguel afirma tener la extraña capacidad de rastrear y escuchar los sonidos de tiempos remotos por lo que en los descansos entre sus largas expediciones de búsqueda aprovecha para materializar y traer al presente esas alucinaciones sonoras del pasado, empleando los ajados instrumentos que lo acompañan, a saber, un violín y una mandolina, y valiéndose de lo que tiene a su alrededor para incorporar percusiones a las obras que le sugieren nuestros ancestros.
Doce Fuegos es el nombre con el muestra sus (re)creaciones y El Templo De Las Cuevas hace el número dos entre las grabaciones con las que nos ha ido iluminando. Cinco temas que nos sumergen en alguna de estas urbes desaparecidos, quizás poco antes de su destrucción, cuando la calma tensa previa al combate atenaza las gargantas, cuando se trata de poner a buen recaudo a aquellos que no pueden empuñar un arma, cuando se realizan desesperadas ofrendas a arcanos dioses para intentar inclinar la balanza y esquivar la muerte. El final ya lo sabemos.

08 The Forgetfulness Of Makind Reign de Vargstuhr. Extraída de Dystopia (Vacula Productions 2021)
La hipótesis Gaia, nombrada así en honor a la diosa griega que personifica La Tierra, fue formulada por el químico británico James Lovelock en 1969, aunque tardó diez años en ser publicada. Mientras trabajaba en un estudio encargado por la NASA sobre la posible existencia de vida en Marte, Lovelock, comparando las atmósferas de Venus, Marte y La Tierra, llegó a la conclusión de que nuestro planeta era una anomalía extraña y hermosa que no se podía explicar solamente con la lógica de compuestos químicos interactuando.
En la mencionada hipótesis, Lovelock afirmaba que la atmósfera (gases), la hidrosfera (aguas), la criosfera (hielos), la litosfera (minerales) y la biosfera (seres vivos) trabajan en conjunto en base al propósito común de mantener las condiciones de vida óptimas en nuestro planeta, creando un sistema de control global que regula temperatura, composición atmosférica y salinidad oceánica. De esta forma estos cinco subsistemas conformarían un único organismo vivo a escala planetaria que desde hace unos cuatro mil millones de años vela por la preservación de la vida sobre ella, habilitando los mecanismos necesarios para combatir cualquier circunsatancia adversa, extinciones masivas, meteoritos, supervolcanes, glaciaciones, que atente sobre ella.
Desde los años sesenta del siglo pasado a Gaia le ha tocado combatir a un poderoso enemigo interior, uno de sus hijos, la humanidad, que se ha propuesto de manera consciente acabar con ella, y que ya tiene en mente, vease el proyecto Aramis de la NASA, seguir extendiendo la destrucción por otros astros de nuestro sistema solar. Después de más de cincuenta años soportando nuestras agresiones, y una vez que ha visto que la absorción por parte de la hidrosfera de la enorme cantidad de Gases de Efecto Invernadero y que el derretimiento del parte del hielo de la criosfera no han sido suficiente para aminorar el calentamiento global, ha decidido pasar al ataque, y ya no hay marcha atrás. Devastadoras tormentas, huracanes, intensas precipitaciones, destructivas inundaciones, desoladoras sequias, terremotos brutales y virus asesinos nos golpean por doquier provocandonos miedo, desolación, hambruna y muerte.
Cada vez somos más los humanos conscientes de nuestras agresiones y en esta lucha, también son cada vez más las deserciones en nuestra raza, que ve como va creciendo el número de personas que de manera coordinada lucha junto a Gaia, a favor de la vida y a favor de la extinción humana. Organizaciones como Futuro Vegetal, Individualistas Tendiendo a lo Salvaje, Extinction Rebellion y el Frente de Liberación Animal, tildadas de terroristar por el orden establecido, abogan por la acción individual y ocasionan pérdidas multimillonarias a los sectores que más agreden a nuestro planeta.
Desde 2014, desde Tenerife, la célula individual conocida como Vargstuhr también cabalga junto a Gaia en su lucha, a la vez que nos trasmite sus enseñanzas y hazañas envueltas en poderoso black metal que puede acercarse al folk, lo atmosférico y el metal más añejo. Dystopia es su segundo disco. Las espadas están en alto y gane quien gane, lo único seguro es que nosotros siempre seremos víctimas.

09 Claraguas de Lechuza. Extraída de Demo / EP (Autoeditado 2022)
La criptozoología comenzó su andadura con este nombre a mediados del siglo pasado de la mano de los zoólogos Bernard Heuvelmans e Ivan T. Sanderson, dedicada a probar la existencia en nuestro mundo de animales considerados extintos, mitológicos o folclóricos. Denostada por la mayoría de los académicos, que la tachan de pseudociencia, no hay que olvidar que animales como el okapi, el calamar gigante o el langur dorado fueron objetos de estudio de esta disciplina antes de que fuesen descubiertos por la ciencia europea, gracias, en parte, a los conocimientos trasmitidos por los pueblos autóctonos que convivían con ellos.
El catálogo de especies que son objeto de estudio de la criptozoología es inmensamente amplio, abarcando desde aquellos monstruos que ya forman parte de nuestra cultura como pueden ser el yeti, el monstruo del Lago Ness o el chupacabras a otros que pueblan recónditos lugares del globo terráqueo como el comelenguas, ave de gran tamaño avistado en los años 50 en el sur de Honduras que arrancaba de raiz la lengua de sus presas; el orang pendek, homínido de baja estatura que habita las selvas de Sumatra; el chuchunya, homínido de gran estatura y pelaje negro que habita en Siberia y del que se conservan antiguos testimonios que hablan de las persecuciones, matanzas y enterramientso secretos de sus cadaveres que sufrieron estas criaturas en tiempos zaristas; el tatzelwurm, bestia reptil de mas de un metro y medio de longitud que habita en los Alpes y del que en 1921 se documentó un ataque a un pastor y un cazador furtivo que huyeron despavoridos; o el aka allghoi khorhoi, gusano de la muerte mongol, que tanto puede rociar a sus víctimas con ácido como procurarles descargas eléctricas y del que existen testigos que afirman haber visto como un único de estos gusanos acababa con un rebaño entero de camellos.
A mediados de 2022 sonaban las alarmas de los mas eminentes y reputados criptozoólogos del planeta, a los que comenzaban a llegar testimonios que hablaban de unos extraños e inclasificables sonidos que emergían de lo más profundo de algunos de los bosques que rodean la capital de nuestro país. Las primeras declaraciones llegaron por parte de algunos vecinos de Bustarviejo, villa situada en las faldas de la Sierra de Guadarrama, que aseguraban que del corazón del Abedular de Canencia, algunas noches, surgía un raro ulular, que si bien podía recordar al de una lechuza, era mucho más intenso y parecía acompañado de zumbidos eléctricos y golpes. En pocos días, declaraciones procedentes de localidades cercanas a otros parajes naturales, como son el Hayedo de Montejo, el Robledal de La Hiruela o el Castañar de Rozas de Puerto Real, relataban hechos similares.
El posible descubrimiento de un nuevo críptido (que es así como se denomina en general a estas criaturas desconocidas) hizo que la búsqueda del responsable de estos sonidos, al que los investigadores comenzaron a llamar lechuza eléctrica, comenzara de inmediato... y las primeras y confusas informaciones no tardaron en llegar. Siempre un paso por detrás de los movimientos de la criatura, entre los lugareños comenzaron a correr historias que hablaban no de una sino de dos extrañas entidades que marchaban en perfecta simbiosis emitiendo tan peculiares e inclasificables sonidos que parecían causar alucinaciones a quien los oía.
Descritos como un espíritu del bosque, al que llamaban Ruda, y un fantasma medieval al que dieron el nombre de Fantasmita, se llegaron a notificar avistamientos de esta pareja de críptidos en lugares como Guadalajara, Toledo, Bilbao e incluso Burdeos, apareciedo algunas oscuras fotos que probaban su existencia. Rehuyendo del contacto con los humanos, poco o nada se había descubierto sobre su naturaleza y costumbres cuando en septiembre del 2023 se les perdió el rastro. Recientemente, el eminente criptozoólogo Javier Resines señalaba que la desaparición de esta criatura parecía estar relacionada con la reciente aparición de dos nuevos críptidos a los que la inmediatez del acervo digital ya ha bautizado como Comegente y Twin Ghost. Seguiremos investigando.

10 La Maldición De Laurinaga de Muert. Extraída de Haeresis (Inmortal Frost Productions 2022)
A estas alturas, todos estaremos de acuerdo en que la Corona de Castilla en su expansión marítima por el Atlántico no causó más que desolación y muerte a las poblaciones autóctonas de los territorios que iba incorporando a su imperio. Así ocurrió en América, y así ocurrió en las Islas Canarias, las únicas con población aborigen, establecida en el archipielago al menos desde el siglo V a.C, de todas los que conforman la Macaronesia.
El origen de estos primeros pobladores ha generado múltiples debates, mitos y especulaciones, que van desde leyendas que apuntaban a una llegada desde tierras vikingas hasta quien afirma que hablaban en euskera, pasando por los primeros Franciscanos que vivieron en las islas que afirmaban que hasta ellas llegó Gómer, nieto de Noé, dándole a la isla de La Gomera su nombre. Parece que recientes estudios de ADN han desvelado este misterio, y que los aborígenes canarios estaban emparentados con el pueblo amazigh, también conocidos como bereber, que se extendió hace más de 3000 años por el norte de África desde Libia hasta el Sahara. Pero son aún muchos los enigmas sin respuesta en lo que concierne a estos primeros pobladores de las islas, entre ellos el de cómo y por qué estos llegaron a las Islas Canarias, teniendo en cuenta que carecían de barcos y de conocimientos de navegación, al menos cuando los castellanos llegaron.
La aparición de agrupaciones de pirámides escalonadas de piedras en varias islas, que se han demostrado alineadas astronómicamente con solsticios y otros momentos importantes del ciclo agrícola, el culto a los muertos y el proceso de mirlado que ha hecho llegar sus momias hasta nuestros días, o por qué, a pesar de que los aborígenes de las distintas islas no tenían contacto entre sí, los conquistadores recogieron testimonios en varias de ellas de la existencia de extrañas criaturas demoníacas, a las que llamaban Tibicenas, Yruene, Hirguan o Jucancha según la isla, que siempre eran descritas por los nativos como perros lanudos con ojos de fuego que caminaban sobre sus patas traseras, plantean preguntas a las que a día de hoy no se ha conseguido dar una explicación racional.
También encontramos en Tenerife el linaje de los Axantemir, casta de guerreros aborígenes sagrados que combatían tanto en este mundo físico como en el espiritual. Seleccionados desde niños por determinadas aptitudes que marcaban su destino, eran apartados de la comunidad y vivían aislados debiendo obediencia a Achamán, el dios supremo sustentador del cielo y tierra. Las crónicas cuentan como tras dar por terminada la conquista de la isla por parte de los castellanos, fueron muchos los guanches que se refugiaron en cuevas de montañas y barrancos de difícil acceso y siguieron plantando cara al invasor, y hay quien no descarta que su estirpe haya llegado hasta nuestros días, y que ocultos, manteniendo las tradiciones, las ceremonias y los sacrificios, son los causantes de las desaparciones de incautos godos que se atreven a aventurarse por inhóspitos lugares como el Barranco de Erques, en el municipio de Güimar. Precisamente de allí proceden Muert, y no ha faltado quien señala a estos tres tipos que se cubren con cuero, sangre, máscaras y tierra mientras reparten el más agresivo y crudo death metal por escenarios de medio mundo, como descendientes directos de los Axantemir y ejecutores de su ancestral venganza. No hay perdón para el invasor que trajo el horror a las islas...